ALFONSINA - No es mi primera vez

Maria Gadú - Bela Flor

Maria Gadú - Amor de Índio (Mais uma Página)

La Pata de la Tuerta - Que pare el que frenos (2013) - Full DVD sin cort...

Bruno & Ta´Complicao - 04 - En este barrio (Cover)

Espejos-Ciro y Los Persas(2010)(Album Completo)

Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra LIVE at IMAGO festival, Ljubljana 2013

DANIEL MELINGO en el ND/ATENEO

Alfonsina - No es mi primera vez (Live on PardelionMusic.tv)

Ciclo de DOS & Alfonsina

Alfonsina - Quebrar | Sofar Montevideo (#447)

Alfonsina - Rezo al Sol (Live on PardelionMusic.tv)

alfonsina alvarez

Lunes 30 de julio de 2012 - 12:53 hs.

“La música me cambió la vida, voy soñando en la medida de los pasos que doy” afirma la cantautora Alfonsina Álvarez, que se encuentra dando forma a sus canciones con vistas a un disco.

“Se han abierto tantas puertas que me hacen sentir muy feliz y muy afortunada” aseguró Alfonsina Álvarez en El Faro.

La artista pretende grabar su primer álbum en los próximos meses, cuando culmine la búsqueda de un productor artístico “que necesito para que me guíe”, destacó, y espera editar el año que viene.

Recientemente participó del homenaje a Spinetta en Guambia y la Zitarrosa, y reparte sus días entre canciones y la participación en vivo en la banda estable del programa de televisión Décadas, en canal 12.

“Amor por el jazz, rock y bossanova”

“Siempre me gustó muchísimo la música y me emocionó muchísimo” explicó la intérprete, que declara una influencia y amor por el jazz, el rock, y la bossanova.
Dice haber estudiado muy poco y ser “muy dispersa y ansiosa”. 

Se subió por primera vez a un escenario hace menos de dos años, y en su carrera destaca el encuentro con un productor inglés Tricky, a partir de un contrato para trabajar como traductora cuando vino a tocar a Uruguay.

Álvarez llegó audicionar para trabajar con Tricky , quien la invitó a participar de una gira.

“Hice todos mis trámites y finalmente eso no salió, me di cuenta que estaban buscando músicos que tuvieran pasaporte europeo”, explicó, “ahí quedé con la ilusión en la mano, pero de todas formas eso fue lo que me impulsó, me animó a tomarme los sueños en serio. Me devolvió la fe”.

La artista se siente afortunada de aprender tanto con los músicos con los que toca, entre ellos Gustavo Montemurro, Nicolás Ibarburu., Mateo Moreno y Federico Navarro, a quienes reconoce como “influencias” y sus “maestros para siempre”.

Con el productor y propietario de La trastienda Danilo Astori (Jr) como manager, la artista continúa su camino participando de toques y jams sessions, convencida de que Montevideo “despega artísticamente cuando se comparte y se está abierto y con poca pretensión”, pues considera que “está muy bueno que todos los artistas den lugar al otro”.

Escuche la entrevista

Edición: Soledad Bauzá 

Foto: Susana Maisonave

javier malosetti en sala zitarrosa

 Javier Maloseti

Es hijo del legendario guitarrista de jazz Walter Malosetti (1931-2013).¹
Baterista en sus comienzos, Javier decidió cambiar de instrumento y desde 1986 se convirtió en uno de los bajistas más requeridos e importantes de la escena argentina. Paralelamente desarrolló sus conocimientos en la batería, la guitarra y el canto.¹ Fue miembro estable de la banda de Luis Alberto Spinetta durante 8 años.² Entre los artistas destacados de la música nacional e internacional con los que trabajó se encuentran Rubén Rada, Dino Saluzzi, Lito Vitale, Jaime Ross, Baby López Furst, Alex Acuña, Larry Coryell, Jim Hall y Herb Ellis, entre otros. Participó en numerosos eventos de gran importancia tanto en la capital como en el interior y exterior de Argentina. Músico y productor de todos sus álbumes y otros, realizó como solista 11 discos, varios de los cuales han sido galardonados con el prestigioso premio Gardel a la Música.³
A principios de 1993 decidió grabar su primer disco solista llamado Javier Malosetti, el cual recibió muy buenas críticas de la prensa. Después de varias giras con distintos artistas, en el año 2000 recibió el premio Clarín «revelación en jazz del año».⁴

Durante el año 2001 salió a la venta su segundo disco, Spaghetti boggie, que grabó con un quinteto conformado por Guillermo Romero (en teclados), Ricardo Cavalli (en saxos), Américo Bellotto (en trompeta) y Fernando Martínez (en batería). En ese mismo año ganó otro premio Clarín como «artista de jazz del año».⁴
Al año siguiente grabó Villa, esta vez con un quinteto conformado por Andrés Beeuwsaert (en piano eléctrico y órgano Américo Bellotto (en trompeta), Gustavo Cámara (en saxo tenor y alto) y Pepi Taveira (en batería). En este disco, Javier, muestra todo su talento en la guitarra, batería y percusión, además del bajo y la voz.⁴
Un año después (2003), además de seguir tocando con Luis Alberto Spinetta y publicar su cuarto disco Malosetti vivo (grabado con los mismos músicos del anterior) ganó el premio «mejor álbum de jazz» por Villa y decidió formar un trío con Andrés Beeuwsaert (en teclados) y Pepi Taveira (en batería).⁴
En el 2004 decidió dejar la banda de Spinetta y la enseñanza para dedicarse a su disco Onyx. Para la grabación invitó a tocar a su padre y al guitarrista de rock y blues Norberto Pappo Napolitano. El año siguiente ganó un premio Estrella de Mar 2005 (por «labor musical»), un Gardel a la Música 2005 («mejor álbum de jazz» por Onyx) y un premio Konex 2005 («diploma al mérito»).⁵
En 2005 conoció al baterista Oscar Giunta y junto al tecladista Hernán Jacinto decidió formar un nuevo trío, con el que grabó su sexto disco, Niño. Durante 2007 entra al estudio con Rubén Rada para grabar Varsovia. También en este año gana el premio «mejor álbum de jazz» por su disco Niño.⁴
Dos años después, en el 2009, decide dar un respiro al trío y forma una nueva banda con músicos jóvenes, a la que llama Electrohope, y lanza un disco con el mismo nombre. En este nuevo proyecto participaron Nicolás Raffetta (en teclados), Hernán Segret (en guitarra, bajo y voz), y Tomi Sainz (en batería).¹
En la televisión dirigió el programa Música para soñar, por donde desfilaron los solistas argentinos y extranjeros más importantes y que fue emitido por el canal Telefé.⁶ En la actualidad conduce "El perseguidor", el ciclo de documentales acerca de la historia del blues, el jazz y la música soul, emitido por el canal Encuentro.⁷
Desde 1987 al 2004 dictó clases particulares de bajo eléctrico y desde entonces en el campo de la docencia sólo realiza esporádicas clínicas y seminarios para los bajistas aficionados y profesionales de todo el país.¹
Desde 2008 usa un instrumento (guitarra-bajo) realizado especialmente para él por el gran luthier Mariano Maese, es un M2 de doble mástil: bajo de 5 cuerdas y guitarra eléctrica. En el año 2010 la marca estadounidense Schecter fabrica un modelo de bajo eléctrico diseñado especialmente por él.
En los meses de abril a agosto de 2011 coprotagonizó El Pasajero, la versión argentina del musical Passing Strange, de Stew & Heidi Rodewald, junto a Diego Reinhold y dirigido por Florencia Peña, María Onetto y Ana Frenkel, dicho musical lo tiene como coprotagonista, cantando y tocando secundado por la banda dirigida por Mariano Otero (además sería su debut actoral).^{8 9}
Es endorser (patrocinador) de guitarras y bajos Schecter (JM Signature), cuerdas y correas Magma (JM Signature), instrumentos Maese (JM Signature), micrófonos EMG, cables Kw e indumentaria Pony.
En 2013 realizó giras por el interior de Argentina con su banda JM4. Con ellos se encuentra preparando nuevo material para publicar a principios de 2014.

Premios y reconocimientos

• 2000: Premio Clarín «revelación en jazz del año».
• 2001: Premio Clarín «artista de jazz del año».
• 2003: Premio Gardel a la Música «álbum de jazz del año» (por Villa).
• 2004: Nominado al premio Gardel a la Música «álbum de jazz del año» (por Malosetti vivo).
• 2005: Premio Estrella de Mar por «labor musical temporada 2004/2005»
• 2005: Premio Gardel a la Música como «álbum de jazz del año» (por Ónyx).
• 2005: Premio Konex «Diploma al mérito».
• 2006: Mención en la provincia de Santiago del Estero por su aporte a la cultura.
• 2006: Nominado al premio Martín Fierro «mejor programa musical» (por Música para soñar, en Telefé).
• 2007: Premio Gardel a la Música por «álbum de jazz del año» (por Niño).
• 2008: Nominado al premio Gardel a la Música «álbum de jazz del año» (por Varsovia).
• 2010: Declarado «visitante notable» de la ciudad de Mar del Plata.
• 2011: Nominado al premio Hugo «revelación en teatro musical» (por El pasajero).
• 2011: Premio Alberto Olmedo a los trabajadores de la televisión en «labor musical en televisión de aire» (por Música para soñar, en Telefé).
• 2011: Premio Gardel a la Música «álbum de jazz del año» (por Ten).

Discografía solista

Artículo principal: Anexo:Discografía de Javier Malosetti

• 1993: Javier Malosetti
• 2000: Spaghetti Boggie
• 2002: Villa
• 2003: Malosetti Vivo
• 2004: Onyx
• 2006: Niño
• 2007: Off Niño
• 2008: Varsovia (con Rubén Rada).
• 2009: Electrohope
• 2010: Ten.
• 2011: Enves (doble en vivo + estudio).
• 2011: Villa remastered.

Tonolec Indio Toba Video Oficial HD

Tonolec Folklore Étnico Electrónico

Tonolec

Tonolec es un dúo musical argentino de la ciudad de Resistencia (provincia de Chaco), integrado por la cantante y periodista formoseña Charo Bogarín y por el músico chaqueño Diego Pérez.
Su estilo se caracteriza por la fusión de la música electrónica con el canto étnico de la etnia kom (toba).
El 25 de mayo de 2014 formaron parte de los festejos por el aniversario de la Revolución de Mayo, en el marco del espectáculo Somos Cultura del Ministerio de Cultura de la Nación.

Biografía de Charo Bogarín

La cantante Charo Bogarín es tataranieta del cacique guaraní Guayraré. Nació en Clorinda (provincia de Formosa). En 1976, su padre ―congresista peronista de las ligas agrarias― fue «desaparecido» (asesinado) por la dictadura de Videla, por lo que se mudó con su hermana y su madre ―maestra de frontera (y más tarde ingeniera en Sistemas)― a la ciudad de Resistencia (capital de la provincia de Chaco).

carmen pi cuarteto - puntos cardinales

Afuera la lluvia - Carmen Pi

Por ejemplo - Carmen Pi y Fernando Cabrera

Carmen Pi

Carmen Pi llegó a las radios y al boca a boca luego de interpretar maravillosamente a Buitres, pero supo ganarse su propio lugar y su primer disco ya está en la calle.

Publicado el: 14 de enero de 2011 a las 17:26

Por: Matilde Marti

Carmen Pi. Foto: Alejandro Persichetti.

Entre tanto solo de guitarra y rock pesado, en el disco Justicia Después de la Una, la versión de Carmen Pi es claramente identificable. En su voz, Afuera la lluvia -tema que Buitres sacó en el año 1990- y en sus manos, el piano, que la seduce desde los 10 años.

“Cuando hice la versión tuve miedo de la respuesta, ya que todas las demás eran más bien rockeras, o con guitarras, ninguna a piano y voz, que era una osadía. Pensé que los rockeros me crucificarían y fue todo lo contrario”, contó a 180 la artista.

Afuera la lluvia, hoy, forma parte del repertorio de Carmen Pi en sus presentaciones en vivo -le encanta tocar ese tema, dice- pero también hay más de una docena de canciones que ejecuta a la perfección.

Puntos Cardinales es el nombre de su primer disco. “Luego de un tiempo de tocar en festivales de jazz, de hacer nuestras versiones de temas que nos gustaban, y canciones típicas del jazz de los '40, los '50, empecé a llevar al ensayo temas que me parecían 'mostrables'. Fuimos constituyendo en un repertorio propio”, relató.

El título del álbum no fue idea de Carmen Pi, sino de su amigo Pablo Routin, quien bautizó así al cuarto tema del disco. “Me encantó de inmediato, era todo lo que sentía en dos palabras”, resumió la cantautora. Es un tema que trata del desexilio: Carmen Pi nació en Perú, vivió 10 años en Ecuador y luego llegó a Uruguay. “Habla de la vida que uno dejó allá, de las separaciones, del amor, de cierta melancolía de infancia, es bastante autobiográfica, mi vida allá, la vuelta, los sin sabores de la vida, pero siempre rodeada de música”.

Otra lectura que le da Carmen al título es a partir de la banda. “La idea de que somos cuatro los integrantes de Este proyecto. También las distintas músicas, estilos y formas abordados en el disco, confluyen, se tocan en algún punto, así como los aparentemente lejanos puntos cardinales”, explicó la líder de Carmen Pi Cuarteto (Horacio Di Yorio, Gerardo Alonso y Vittorio “Cachi” Bacchetta).

“Considero que es un disco variado, y dificil de encasillar”, agregó. Hay canciones de aquí y allá, en inglés, en francés, Beatles, un poquito de folclore, pop, jazz, Brasil... Un poquito de todo”.

Hay temas alegres, aclara Carmen, como Doctor, Fun-Key o Petit Nunurs, “que es muy naïf, fresca y linda”. En esa última, la artista compuso la melodía, pero la letra -íntegramente en francés- la escribió su madre. “Yo venía de grabar una publicidad en francés para una marca muy conocida de helados nacionales. A la vuelta, me vine tarareando e inventando una cancioncilla. Tenía cuatro frases, la que habla bien es mi vieja, entonces, pasé por su casa y le dije: 'Mamá, tengo esta melodía, pero solo estas cuatro frases, quiero que la letra hable de lo siguiente, y la melodía es ésta, ¿me escribís algo?'. A los 20 minutos, me llamó y me dijo: 'lo tengo'. Y así, tal cual, quedó. Mi mayor alegría fue incluir a mi vieja en esa canción”.

“Qué lindo cuando estamos juntos, qué linda la vida contigo”, canta Carmen en francés. “La cuestión es que parece una pareja de enamorados, pero el juego es que -en realidad- es una niña con su osito de peluche, en esa relación que se da entre los niños y su juguete preferido, de amor incondicional”, confiesa.

Para coronar el tema, Carmen Pi llevó al coro de niños del Colegio San Juan Bautista, a quien dirige. Los convocó por su calidez, su inocencia y su alegría, aseguró. “Si los que escuchan la canción pudieran ver sus caritas y la imagen que tengo en mis retinas de ellos cantando, te juro que no hay forma de no sonreír”.

Una niña con su piano

La docencia fue uno de los primeros acercamientos “formales” de Carmen Pi a la música. Cuando llegó a la adolescencia, ella sabía que ella iba a dedicarse a la música, pero no tenía claro en qué rol. A los 18, comenzó a dar clase.

“Por suerte en mi casa no existía aquello de '¿De qué vas a vivir?', ya que mi madre es música y mantuvo a toda la familia con su laburo durante algunos años”, recordó con orgullo.

Pero el contacto con el piano llegó mucho antes. “Fue a los 10, cuando volvimos de Quito para radicarnos definitivamente en Montevideo. Conocí el piano de mi abuela, que había sido donde estudiaron mi madre y sus hermanas. Era hermoso, fue amor a primera vista. Me sentaba, lo abría, jugaba e iba sacando de oído alguna melodía, o acordes. Tenía ese olor de los pianos viejos pero bien cuidados, encerados, de casa de abuela, con los portarretratos de toda la familia encima”, describió. “En seguida, pedí para ir a clases y me mandaron. Al principio, el piano seguía viviendo en lo de mi abuela, así que -por consejo de mi profe- me hice un tecladito dibujado en un cartoncito, lo apoyaba en la mesa de la cocina y allí practicaba digitación, acostumbrándome a la postura exacta de cada dedo en su tecla. Todo muy folclórico, sí, lindo a la distancia... Pero en aquel momento no era tan divertido, ¡yo quería mi piano!”.

Cuando su madre ganó el curso de directora para Coro del Sodre, el piano se mudó a su casa. “No fue tanto por mí, ¡pero ligué igual! Y ahí nos hicimos inseparables”.

La Conjura - Pink Floyd

robben ford

El Robben que no se tira

Fotos gentileza Edy Rodríguez

Hay un Robben que es veloz, habilidoso y gambeteador. Hay otro Robben que es talentoso, profundo y sobrenatural. El primer Robben juega al fútbol y es el emblema de Holanda. El otro es un guitarrista gringo que tocó con Miles Davis, George Harrison y Jimmy Witherspoon. El primero es pelado y el segundo todavía conserva el pelo largo. Pero la diferencia principal es que el Robben músico no sobreactúa ni se tira, se mantiene erguido sacando las notas más extraordinarias de su guitarra desde el fondo de su alma. Esta comparación futbolera, impulsada por la manija mundial que todavía perdura, sirve para ilustrar al gran Robben Ford, que anoche dio un show descomunal en el Teatro Coliseo.

Ford es un músico fantástico por donde se lo mire: combina la pasión del blues con la destreza del jazz y el vigor del rock. Tal vez no sea un frontman muy carismático, de hecho apenas se dirige al público para presentar a la banda y anunciar algunas de las canciones que va a tocar, pero cuando sus dedos comienzan a agitar las cuerdas de su Telecaster todo lo demás queda en segundo plano.

“Es bueno estar de vuelta. Ha pasado mucho tiempo”, dijo antes de largarse de lleno con la música en su cuarta visita al país (las otras ocurrieron en 1992, 1994 y 2001). Comenzó con una sutil ironía: interpretó el tema Chevrolet, justo él que se apellida Ford. Pero no fue una ocurrencia del momento, sino que ya es un clásico de su repertorio. Aprovechó esa canción para acomodarse, pidió un poco más de monitor, mientras lanzaba unos fraseos fabulosos. La rítmica, conformada por Brian Allen en bajo y West Little en batería, se desenvolvió con gran solvencia desde el primer minuto.

Si bien hace pocos meses editó su disco A day in Nashville, que fue grabado de corrido en un solo día, anoche apenas tocó un solo tema de ese trabajo: Midnight comes too soon. Ford se lució con una gran versión de Start it up, del memorable álbum de la Blue Line de 1992, y con All over again, que compuso para su proyecto paralelo, Renegade Creation. Y la banda entera, tanto de manera mancomunada como en lo individual, deslumbró en Nothing to nobody, el tema de Michael McDonald que Ford versionó en Supernatural, de 1999. Luego del solo expeditivo del guitarrista, Allen se despachó con un derroche de creatividad desde su bajo de cinco cuerdas y dio pie para que Little terminara aporreando su batería de menor a mayor. Justamente de ese disco del 99 salieron otros dos temas que sonaron ayer: Lovin’ cup  la propia Supernatural.

Al público jazzero lo deleitó con un instrumental que recordó a su etapa con los Yellowjackets y a los bluseros les regaló un momento muy emotivo cuando le dedicó al recientemente fallecido Johnny Winter su Cannonball shuffle, inspirada en Freddie King, que compuso para su álbum Keep on running, de 2003. Una mención destacada merece el sonidista, quien logró que la guitarra de Ford se escuchara con absoluta nitidez y su voz con mucha claridad, mientras que generó un contorno óptimo para que la sección rítmica se perciba en todo su esplendor.

Tal vez pudo haber tocado un poco más, es cierto… pero lo que nos dejó en esa hora y veinte minutos fue alucinante. El Robben bueno, el que no se tira, demostró una vez más que lo suyo va más allá de cualquier clasificación, si es blues o lo que sea. Es música interpretada desde la más honda convicción de un artista inquieto y talentoso que nunca se guarda nada. 

 

malbec y blues

Bill Evans & Robben Ford

Robben Ford - Live Rockpalast 2007

Tributo a Pappo - Chizzo, Luciano Napolitano, Alambre Gonzalez, Beto Cer...

Nick Cave

Nicholas Edward Cave (n. Warracknabeal, Australia, 22 de septiembre de 1957), más conocido como Nick Cave, es un músico, escritor y actor australiano. Es famoso especialmente por su trabajo con el grupo Nick Cave & The Bad Seeds, fundado en 1983 con una mezcla diversa de influencias y estilos musicales. Antes de The Bad Seeds, Cave perteneció al grupo The Birthday Party, conocido por su rock gótico, sus letras desafiantes y un sonido violento influido por el free jazz, el blues y el post-punk. En 2006 formó con Warren Ellis Grinderman un grupo paralelo a The Bad Seeds que publicó su primer álbum al año siguiente.
Con una larga trayectoria que comenzó a principios de los años setenta, su música se caracteriza por un lirismo oscuro, pero también por un interés hacia lo violento y lo erótico, con influencia de grupos y compositores como Tom Waits, PJ Harvey, Leonard Cohen o bluesmen como Robert Johnson, dentro de una estética bohemia y urbana. Tras su inclusión en el ARIA Hall of Fame, el presidente del comité Ed St. John dijo sobre el músico: «Cave ha disfrutado -y continúa disfrutando- de una de las carreras más extraordinarias de la música popular.

Biografía

La juventud de Nick Cave

Warracknabeal es un pueblo pequeño en el estado australiano de Victoria. Nick Cave tiene dos hermanos mayores y una hermana menor: Timothy Cave, Peter Cave y Julie Cave. Desde pequeño se mudó a Wangaratta, Australia. Su padre, Colin Cave, era profesor de literatura y su madre, Dawn, era bibliotecaria. Sus padres practicaban el cristianismo anglicano, y la familia acudía a la catedral de Wangaratta, donde el pequeño Nick Cave cantaba como parte del coro infantil. El joven Cave tenía problemas con las autoridades escolares de su escuela, lo que le procuró en 1970 que sus padres lo enviaran a la Escuela Caulfield Grammar en Melbourne, Australia. Ahí se unió al coro de la escuela y practicó el piano. En 1971 su familia se mudó con él a Melbourne.
Después de su educación secundaria Nick Cave estudió pintura en el Instituto Tecnológico de Caulfield de 1976 a 1977. Cerca de estas fechas iniciaría su consumo de heroína. Su padre murió en un accidente automovilístico cuando Nick tenía 19 años.

Sus inicios musicales

En 1973 Cave conoció en Caulfield Grammar a Mick Harvey, Tracy Pew y Phill Calvert, respectivamente el guitarrista, bajista y baterista de lo que sería su primera banda. Mientras eran estudiantes, su repertorio se componía de interpretaciones de música de Lou Reed, David Bowie, Alice Cooper, Roxy Music y Alex Harvey con un giro proto-punk. Después de dejar la escuela en 1977 bautizaron su banda con el nombre The Boys Next Door y comenzaron a tocar y cantar material original. Rowland S. Howard se unió a la banda en 1978 como guitarrista.
Desde 1977 hasta su disolución en 1980 la banda The Boys Next Door exploró con diversas variantes del punk: desde riffs inspirados en los de Ramones hasta una renovada ola de inspiración en David Bowie y una especie de expresionismo post-punk (véase la banda Pere Ubu) para terminar en una mezcla de escandaloso performance, ruido y art-rock.
The Boys Next Door formaron parte de la escena post-punk de Melbourne de finales de los setenta y tocaron en varios conciertos en vivo por toda Australia hasta que en 1980 cambiaron el nombre de la banda a The Birthday Party y se mudaron a Londres y después a Alemania Federal. La cantautora Anita Lane, pareja sentimental de Nick Cave, los acompañó a Londres. La banda ganó una notoria reputación gracias a las letras provocativas de Cave y a sus escandalosas actuaciones en vivo.
Después de cultivar un estatus de culto en Australia y Europa, The Birthday Party se desintegró en 1984. Rowland S. Howard y Nick Cave encontraron dificultades para seguir trabajando juntos, y ambos se encontraban exhaustos por el abuso de alcohol y drogas.

The Bad Seeds

Cave, 2006.

Nick Cave y Mick Harvey formaron el primer ensamble de Nick Cave & The Bad Seeds. Nick Cave comenzó a escribir letras más líricas y narrativas, en contraste con el expresionismo que usó en sus proyectos anteriores. The Bad Seeds fue concebido como un ensamble de músicos internacionales: el guitarrista Blixa Bargeld (de la banda Einstürzende Neubauten), era alemán, el bajista Barry Adamson era inglés y el guitarrista Hugo Race era australiano. También Anita Lane escribió canciones para The Bad Seeds. Esta alineación grabó el álbum debut de la banda: From Her to Eternity, el cual fue lanzado en 1984.
Cave se separó de Anita Lane a mediados de la década de los ochenta y comenzó una relación con Elisabeth Recker. Durante la estancia de la banda en Berlín, se lanzaron cuatro álbumes: The Firstborn Is Dead, Kicking Against the Pricks, Your Funeral... My Trial y Tender Prey.
Mientras vivía en Berlín Oeste, Cave comenzó a trabajar en su novela debut: And the Ass Saw the Angel (1989). Existe una significativa interrelación entre su novela y las letras que Cave escribió para las últimas canciones de The Birthday Party y las etapas tempranas de su carrera con The Bad Seeds.
Después de terminar And the Ass Saw the Angel, Cave dejó Berlín Oeste poco después de la caída del muro de Berlín y se mudó a São Paulo, Brasil, donde conoció a Viviane Carneiro. Los dos tienen un hijo llamado Luke (nació en 1991). La pareja nunca contrajo matrimonio. Cave tiene otro hijo, Jethro, también nacido en 1991; éste vive con su madre ,Beau Lazenby, en Australia. [1].
Fue en Brasil donde grabó, en 1990, su álbum The Good Son, una de las cumbres de su carrera. Este disco, lírico, orquestal, y carente de la furia y el desgarro anteriores, supuso el definitivo divorcio entre Cave y cierto sector de su público.
En 1992 su banda lanza Henry's Dream, disco producido por David Briggs. En 1993, Cave dejó Brasil y se mudó a Londres, Inglaterra. Ese mismo año se publica un álbum en vivo, Live Seeds, grabado durante la gira de presentación de Henry's Dream. Un año después aparece su siguiente álbum, Let Love In, uno de sus discos mejor recibidos tanto por la crítica como por el público.
Murder Ballads, de 1996, es una colección de canciones sobre asesinatos. El álbum incluye "Henry Lee", un dueto con la cantante británica PJ Harvey (con quien tuvo una breve relación amorosa), y "Where the Wild Roses Grow", un dueto con Kylie Minogue (quien también fue su novia). Esta última canción fue un éxito popular en Australia, donde le procuró a la banda tres premios ARIA, incluyendo "Canción del año".
El siguiente álbum, The Boatman's Call (1997), Nick Cave se desvía de las narrativas genéricas y violentas de su pasado como compositor hacia canciones con una letra biográfica y confesional sobre sus relaciones con Carneiro y PJ Harvey. Éste fue también el primer álbum que se centraría en su mayor parte en el piano, tocado por Cave.
Después de The Boatman's Call tomó un descanso para recuperarse de la adicción a la heroína y el alcohol que lo atribulaba desde hacía veinte años. Durante este período conoció a su pareja actual, la modelo británica Susie Bick. Se casaron en 1999, y hoy tienen una pareja de gemelos, Arthur y Earl Cave.[2] [3] Completamente recuperado, Cave resurgió con el complejo, melancólico y altamente elogiado álbum No More Shall We Part que lanzó con su banda en 2001. Después del lanzamiento del álbum Nocturama (2003), Blixa Bargeld anunció su retiro de la banda, dejando a Mick Harvey como el único miembro original de The Bad Seeds, aparte del mismo Nick Cave. Sin embargo, el siguiente año la banda sacó su primer disco doble: Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus, que tuvo gran aceptación entre los críticos.
En 2005 Nick Cave & the Bad Seeds lanzó B-Sides & Rarities, una colección de 56 canciones en tres discos, incluyendo piezas poco conocidas, "lados B" y canciones que aparecieron en bandas sonoras de películas.
Después de grabar un disco bajo el nombre de Grinderman en 2007 (una banda formada junto a otros 3 de los Bad Seeds, donde exploraba el rock y el blues más primitivo, cercano en ocasiones a la música que los Bad Seeds hacían en su primera época), en 2008 Nick Cave vuelve a grabar con todos los Bad Seeds un disco, llamado Dig, Lazarus, dig!!!, que bebe de las influencias de Grinderman.

Otras obras

Cave dio a conocer su primer libro, King Ink, en 1988. Este libro es una colección de letras de canciones y breves obras teatrales, incluyendo colaboraciones con la enfant terrible estadounidense Lydia Lunch.
Aparte de su rol con The Bad Seeds, Nick Cave ha desarrollado una carrera como solista, tocando en vivo su piano, acompañado por un trío de bajo, percusión y violín formado por una alineación fluctuante. Actualmente este trío está formado por Martyn P. Casey, Jim Sclavunos y Warren Ellis.

Colaboraciones

Con Shane McGowan

En 1992 Shane MacGowan, líder de la banda irlandesa The Pogues grabó y lanzó What a Wonderful World, un disco sencillo que incluye la homónima "What a Wonderful World", una versión de la canción popularizada por Louis Armstrong y, como "cara B" la canción original de The Pogues "A Rainy Night in Soho", cantada por Nick Cave. También en este álbum Shane MacGowan canta "Lucy", de Nick Cave & The Bad Seeds.

Con Current 93

En 1996 Nick Cave colaboró con la banda Current 93, principalmente en el álbum All the Pretty Little Horses: allí canta la canción del mismo nombre y en otras canciones de este álbum lee extractos del libro Pensamientos de Blaise Pascal.

Con Barry Adamson

Nick Cave participa en el álbum de 1996 Oedipus Schmoedipus, de Barry Adamson, antiguo bajista de The Bad Seeds, cantando uno de los temas finales: The Sweetest Embrace.

Con Johnny Cash

En 2000 Johnny Cash, uno de los héroes personales de Nick Cave, hizo una versión de The Mercy Seat en el álbum American III: Solitary Man, tal vez en pago a las versiones que Nick hizo de Muddy Water, The Singer y Long Black Veil. Cave fue invitado después a ser uno de los músicos que contribuirían con la retrospectiva en The Essential Johnny Cash un álbum lanzado para coincidir con el 70º cumpleaños del cantautor estadounidense. Éste y Cave cantaron un dueto para una versión de la canción de Hank Williams I'm So Lonesome I Could Cry para el álbum American IV: The Man Comes Around (2002). Asimismo, grabaron un dueto para la canción tradicional Cindy, que fue lanzado después de la muerte de Cash en la colección Johnny Cash: Unearthed.

Con Pulp

En 2002 Cave grabó una versión de la canción "Disco 2000" de la banda británica Pulp como cara B para el sencillo Bad Cover Version.

Con Marianne Faithfull

En 2004, Cave participó con la veterana Marianne Faithfull en su álbum Before The Poison. Para éste co-escribió y produjo tres canciones: "Crazy Love", "There Is a Ghost" y "Desperanto"; los músicos de The Bad Seeds tocaron en todas ellas.

Con Kylie Minogue

En el disco Ultimate Kylie interpreta su tema "Where the Wild Roses Grow" con la también australiana Kylie Minogue.

Nick Cave y el cine

La música de Nick Cave (solo o con su banda) ha sido incluida en varias de las películas de Wim Wenders': Wings of Desire (Cave aparece en esta película, interpretándose a sí mismo en una presentación en vivo), Until the End of the World, Faraway... So Close! y Soul of a Man, un documental sobre la música blues producido por Martin Scorsese. Cave también actuó en la película independiente Ghosts... of the Civil Dead (1989), escrita y dirigida por John Hillcoat. También apareció como actor en la película Johnny Suede (1991), compartiendo la pantalla con Brad Pitt.
Algunas otras canciones de Nick Cave han aparecido en bandas sonoras de varias películas.
Mostrando un creciente interés en el cine, Nick Cave escribió el guion y la música para The Proposition, un western de magnitudes líricas y poéticas sobre amor y violencia en el yermo australiano. La película fue dirigida por John Hillcoat y en ella actúan Guy Pearce, Ray Winstone, Danny Huston, John Hurt, David Wenham y Emily Watson. Fue filmada en Queensland en 2004. Se ha presentado desde octubre de 2005, logrando elogios de la crítica.
En 2007, Cave escribió la banda sonora de la película de Andrew Dominik, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford junto a su compañero Warren Ellis, donde también apareció en un pequeño papel en el film interpretando a un músico que canta La balada de Jesse James.
En 2009, Cave volvió (junto a Ellis) a escribir la banda sonora de la película The Road, dirigida por John Hillcoat, amigo y colaborador de Cave.
En 2010 su canción "O Children" es la banda sonora de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte I. Es el tema musical que suena en una vieja radio, y que Harry y Hermione bailan en su tienda de campaña, para así olvidarse de los problemas que conciernen a Voldemort y sus mortífagos, mientras escapan de ellos.

Chillan Las Bestias, el proyecto porteño de Pedro Dalton, presenta su álbum debut.

Chillan Las Bestias es el proyecto musical que Pedro Dalton (voz de Buenos Muchachos) tiene en Buenos Aires. Ya está en la calle su primer trabajo discográfico, que es distribuido en todas las disquerías del país por el sello Bizarro Records.
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Hay un rock que surge desde abajo, de lo profundo, de la noche. Es un rock que transforma: hace poesía de la mugre, de lo sórdido. Y saca el lado salvaje que llevamos dentro: un mono, un elefante, un lagarto, un buey, un búfalo, un mandril.

Esos son, justamente, los animales que pueden vislumbrarse cuando suena Chillan Las Bestias. Un grupo nuevo, sí, pero de gente que no es nueva.

Semillas malas que crecieron igual, sin artificios, sin pedir perdones ni permisos.

Chillan Las Bestias reúne a los ex Ángela Tullida con el cantante de Buenos Muchachos y el baterista de Pettinato & The Pessy-Mystics.

Sus canciones reavivan el mito del rock descarnado y visceral.

Y es que ya casi no hay bandas así, que franqueen sus nervios, que aborden el post punk con arrojo portuario, que retomen el tango desde otro lugar, que crucen sonidos como el del piano y el violín, que proyecten un estilo de vida reconocible, entre lo errante y lo rioplatense.+
Chillan Las Bestias es :
Pedro Dalton (voz) / Pablo Ferrajuolo (bajo) / José Navarro (batería) /�Marcelo Chiachiare (guitarra) / Marcos Camisani (violín) / Franco Varise (piano).

Angela Tullida - Miseria (album completo)

Keep The Blues Alive 2

Viernes 30 de mayo - 20.30 hs.

Una noche donde se va a respirar muy buen blues, con tres de las bandas más representativas del género en Montevideo como son La Triple Nelson, Cutinella & Chapital Blues Cuarteto y La Berocay Blues. Una oportunidad imperdible para disfrutar de un festival de Blues, de una verdadera celebración junto a grandes músicos.

Localidades: Anticipadas $300. Día de la función $350.

Luego del éxito del Keep The Blues Alive 1 el pasado noviembre de 2013, llega Keep The Blues Alive 2 el que va a ser sin dudas el festival de Blues más importante de 2014 en Uruguay junto a La Triple Nelson, Cutinella & Chapital Blues Cuarteto y La Berocay Blues, tres estilos diferentes dentro de la estética del Blues local.

La Triple Nelson
Nace como trío, formado en enero de 1998 en el barrio Buceo de Montevideo, Uruguay. 
En 2000 ganan el Primer premio en el concurso Pro Bandas 2000 ante más de 500 bandas participantes. 
Han actuado en festivales como el Pilsen Rock de la Ciudad de Durazno en Uruguay ante más de 60.000 personas en 2005 y al siguiente año ante más de 80.000 personas, con gran aceptación del público allí presente, además participaron en casi todos los festivales más importantes de Uruguay.
Han cerrado las últimas 4 ediciones de los "Amasijando los Blues" en Montevideo. 
Actuaron en 2013 en uno de los festivales de Blues más importantes de Latinoamérica llamado "Mississippi Delta Blues Festival" en Brasil con gran respuesta del público presente.
Tienen una amplia trayectoria en estos más de 16 años juntos y han logrado ser una de las bandas con más crecimiento artístico de su país, logrando entre tantas cosas la realización de 7 shows junto a La Filarmónica de Montevideo (100 músicos + los 3 Nelson) grabando en uno de los dos Teatro Solís el DVD "Ciento 3 - Una Gala de Rock", haciendo un quiebre en su carrera, llegando a la aceptación de público de todas las edades y obteniendo el Disco de Platino por las ventas.
Su último trabajo "Agua y Sal" fue recientemente Disco de Oro por sus ventas en Uruguay. 
Han hecho giras por Uruguay, Brasil, Argentina, Perú, Chile y España en sus ya más de 16 años de carrera, representando de la mejor manera a su país en todos sus shows nacionales e internacionales. 
La banda está integrada por Christian Cary ( guitarra y voz), Paco Pintos ( bajo), Rafael Ugo ( batería) e Ignacio Labrada Cary (teclados).

Cutinella & Chapital Blues Cuarteto
"A Contra Reloj", el primer álbum del proyecto Cutinella & Chapital Blues Cuarteto, fusiona sonidos jazzeros y música de acá con el Blues como hilo conductor. Este trabajo discográfico surgió como resultado de la química musical entre los músicos Juan Pablo Chapital y Santiago Cutinella cuando se conocieron en 2011. Para cerrar el proyecto, al sonido particular de las guitarras de ambos músicos, se sumaron el bajo de Fafa Barboza y la batería de Gerónimo de León.
Cutinella & Chapital Blues Cuarteto viene tocando en vivo los temas de su trabajo discográfico desde hace algunos meses. En setiembre de 2013 fueron elegidos para acompañar al reconocido bluesman americano John Primer en su última presentación en Uruguay.

La Berocay Blues
La Berocay Blues nació con la idea de recrear o versionar algunos estilos de Blues antiguos y sonidos que remiten a sus orígenes, mezclando éso con una actitud rockera al estilo de los grupos británicos de Blues de los 60.
La banda interpreta estándares de referentes como Son House, Muddy Waters, Albert Collins y otros, además de insertar temas propios, buscando, en lo vocal, un estilo que puede remitir a artistas como Son House, Howlin' Wolf o Joe Cocker y una guitarra líder con giros a lo Jimmy Page u homenajes a grandes como B.B. King.
Liderada por Roy Berocay, periodista, escritor y músico, conocido a nivel nacional por su obra de literatura infantil "El Sapo Ruperto". Integró bandas como "El Conde de Saint Germain" y más tarde "La Conjura" y Ruperto Rocanrol junto a sus hijos Pablo y Bruno. 
La banda está integrada por Roy Berocay (voz, 2da guitarra y dobro), Demián Berocay (guitarra líder, diddley bow y coros), Pablo Berocay (bajo y teclados) y Bruno Berocay (batería).

Chillan Las Bestias

TRAFICO POR HOBOBLUES

http://hoboblues2013.blogspot.com

 

 

Tráfico - "Tráfico"

Nuevamente ausente por varias semanas debido a complicaciones, vuelvo para presentar la primera reseña de una banda uruguaya de este año.

Lo que presento hoy es Tráfico, una banda muy reciente conformada por Gustavo Antuña (guitarra eléctrica, clásica), Bruno Boselli (guitarra eléctrica, acordeón, sanxian), Nandy Cabrera (órgano, electrónica de varios tipos, melódica), Ignacio Gutiérrez (piano, teclados), Diego Macadar (voz, saxo), Gastón Otero (contrabajo, bajo eléctrico) y Martín Ariosa (batería).

Al leer estos nombres, podemos notar que se trata de un estilo de “super banda” (tomando la clásica definición), ya que se trata de un numeroso grupo constituido por integrantes de otras conocidas bandas uruguayas, siendo estas Buenos Muchachos, Assimo, Platano Macho, Selectorchico, entre otras.  Aunque todas conocidas a mayor o menor nivel, hay una que sin duda se despega y es Buenos Muchachos, ya que en los últimos años se ha vuelto de las más populares de Uruguay (diría que por suerte y al fin). Esto obviamente es un enorme beneficio para esta banda ya que desde un principio cuentan con una atracción y difusión más grande de la que tendría cualquier otra banda que recién empieza, y tratándose de una banda de gran calidad (pues esta página no es de crítica, sino recomendaciones), es una suerte para todos.

La música de Tráfico es rock, empecemos por ahí. Los integrantes, como artistas de este género, van a traer una valija de sus trabajos previos relacionados a este lenguaje musical. Por ende, hay mucho de rock alternativo, indie rock y post-punk por sobre todo. Y gracias a esto, contamos a priori con una energía que transmite intensidad, incluso en el tema más tranquilo. No intensidad sonora, o sea, un volumen alto y sobrecarga de electricidad y capas sonoras, sino más bien algo sentimental, que obviamente es subjetivo pero es transmitido por la actitud y puesta artística de estos músicos.

Sin embargo, esto es solo una base, de donde parte la música, tal vez a un nivel más bien inconsciente, de esencia de los músicos mismos más que de la música misma. Y esto es porque Tráfico no es una banda de post-punk ni la definición más pura de rock, ni siquiera de aquellas un poquito más alejadas. La música de esta banda es un centenar de mezclas que logran un sonido bastante particular pero familiar.

Ya a leer la integración de la banda nos aleja un poco: saxofón (que aunque es un instrumento que ya ha sido muy utilizado en el rock, su asociación tan fuerte con el jazz siempre le da un toque especial, simplemente con estar presente más allá de lo que de verdad hace), acordeón, electrónica (que va desde el uso de materiales sintéticos a grabaciones de paisajes sonoros que en muchísimos momentos no tienen ninguna modificación más que cierta ecualización).

Hay una gran incorporación de jazz. No desde el punto de vista melódico y armónico, sino más bien ambiental. Toman ciertos aspectos del carácter del jazz para colorear de otra forma la música. No es el jazz que parte del bebop, sino uno más bien del dixieland o tal vez el jazz más cercano al blues, aquel asociado a la música de cabaret, dándole un toque oscuro y citadino.

Si a la idea de jazz le incorporamos la experimentación que adorna la música y a su vez el gran intento de evocar un ambiente citadino, sin duda podríamos notar influencias de Miles Davis, aquel que empieza a nacer con “On the Corner” con una mentalidad más cercana a la juventud y la ciudad que logró su auge (en este aspecto) con “Doo-Bop”. A su vez, no podemos dejar de lado la influencia que parecería ser la más evidente, Tom Waits. Este es bien conocido por su blues-jazz de cabaret de discos como “Blue Valentine” o “Heart of Saturday Night”, pero también por su increíble rock experimental de discos como “Rain Dogs”. La música de Waits contiene gran parte de lo que es Tráfico, tanto musicalmente como en la actitud y letras.

Nick Cave y Lou Reed  sin duda están presentes en esto. Como dije, hay una base de rock que nace del post-punk, un género en el cual Nick Cave es un gran referente y Reed una enorme influencia. Ambos están relacionados con lo que es el rock experimental. Pero Tráfico tiene una gran cara en la poesía, con letras que van de una especie de relato a descripciones, siempre con un enfoque metafórico que hace que lo relatado o descripto pase a una especie de simbolismo. Esto es algo que siempre está presente en Cave y Reed, y bueno, Tom Waits también. Con esto último no me refiero a que debido a estas influencias se haya adoptado esta idea, sino que por el uso de la misma, es posible la asociación. Y creo que tratándose de 3 enormes de la música, es algo meritorio.

Otras influencias un poco menos notorias pero que aun así están claramente presentes son el tango, del cual Astor Piazzolla es sin duda la principal influencia, el trip-hop de bandas como Portishead y Massive Attack, y finalmente la música electroacústica, sobre todo la concreta.

Pero algo que no se menciona en ningún lado es The Doors. Hay mucho de blues en la banda, que mezclado con el aire de jazz más el rock desenfrenante  que mencionaba, sin duda se genera una enorme reminiscencia a esta gran banda de los ’60 y comienzos de los ‘70.

Algo importante es el saxo, en mi opinión. No es algo nuevo en el rock y ha habido varios usos. Pero es siempre algo que sin duda lo aproxima al jazz. The Stooges incorporaron el saxo en su 2do álbum “Fun House” y es incuestionable la influencia del jazz. Sin embargo, en Tráfico el uso del saxo recuerda más a su banda tocaya inglesa, Traffic, y Van Der Graaf Generator, donde el saxo hacía melodías carecientes de virtuosismo donde no importaba tanto el movimiento melódico, sino el terreno donde se movía. Aquí parece suceder algo similar. Tal vez Macadar no es un gran saxofonista desde un punto de vista técnico (o al menos no parece serlo con lo que presenta en esta banda), pero tiene una clara idea de que debe tocar para no solo acoplarse a lo que se intenta generar, sino para enriquecer y darle ese toque especial que tiene la banda. Es que al escucharlos, uno pronto se da cuenta que no se tratan de canciones, sino de paisajes sonoros que adoptan el formato de canción para transcurrir en el tiempo.

A su vez, la voz de Macadar, en un registro medio-grave, con un timbre un poco desgastado, le da ese toque callejero de una vida en penas, un toque más sombrío y echado al abandono que acopla perfectamente con el ambiente que genera la música.

En realidad, esta idea aparece en toda la banda, pues de eso se trata. De todas formas, hay 2 casos en especial que me gustaría nombrar.

Nandy Cabrera está constantemente jugando con su arsenal electrónico. En momentos algo melódico, en otros acordes, en una gran mayoría sonidos electroacústicos sintéticos con un rol de efectos acusmáticos, rol que en muchos momentos es tomado por grabaciones de paisajes sonoros que en su mayoría tienen poco trabajo más que filtrados o relleno de ruido (aunque, según la visión de los especialistas en paisajes sonoros, la selección de la grabación, tanto por una toma más pequeña del total de la misma así como la elección del tiempo y momento donde se graba ya lo transforma en un trabajo musical y no una documentación).

Los aportes de Antuña en la guitarra también muestran este enfoque. Tal vez es el que carga con un mayor peso, pues es una de las 3 figuras clave de Buenos Muchachos y por ende, desarraigarse de su trabajo previo es muy difícil. A su vez, sigue siendo el mismo guitarrista, por lo cual hay ciertas cosas que las usa en ambas bandas. Sin embargo, es interesante como ha logrado que obtengan un significado totalmente diferente. Por ejemplo, en Buenos Muchachos, su aporte monódico está vinculado a lo melódico o un solo de guitarra. Aquí son riffs que debido a una repetición en forma de loop en muchos casos, pierde su esencia y se transforma en un contorno musical fraccionado en el tiempo. Lo más interesante es el uso de la masa sonora y el ruido. En Buenos Muchachos, estas toman una forma de acumulación de lo que viene sucediendo previamente; un solo de guitarra cuya resonancia perdura en el tiempo y se va mezclando y sumando hasta llegara  una enorme bola sonora, o sea, una versión compacta de lo que había sucedido. Aquí es algo que aparece como un ente aparte. No es una acumulación, no es producto de una suma de acontecimientos. Es una masa sonora que existe por sí misma, nunca fue otra cosa. Esto hace que sus apariciones sean repentinas y no como resultado de un proceso. El ruido y la masa son análogos a una nota musical con un espectro mucho mayor, y gracias a la propuesta musical, adopta el rol de efecto sonoro como lo son varios de los aportes de Cabrera.

Esta banda formada en el 2009 lanzó su debut discográfico, producido por Gabriel Casacuberta (integrante de Bajofondo) a finales del año 2013 bajo el título “Tráfico”.

Como se trata del debut de la banda, pasaré a hablar de las canciones directamente ya que hablar de la banda en general es en gran parte hablar del álbum en sí.

“...Y las lucecitas” es el tema que abre el álbum. Ya desde el primer momento nos transportamos a un paisaje citadino del más oscuro y vulgar llevado por un tiempo lento que recuerda a una balada de jazz. Lo interesante es que el tema consta de 2 acordes menores que se repiten una y otra vez a lo largo de la canción, siendo la evidencia del transcurso del tiempo la constante variación y suma de instrumentos: líneas melódicas de las guitarras, los diferentes detalles de los teclados e instrumentos electrónicos, y la evidente suma de tensión que va llegando a su auge a través de un penetrante solo de saxo que culmina con la banda tocando con una gran intensidad. Algo interesante es el contrabajo, que pareciese ser el único instrumento que siempre se mantiene en el mismo territorio, por lo cual, junto a la armonía minimalista, logra ese estado cuasi-estático.

“Chinatown” vendría a ser el hit del álbum. Con un sonido de órgano Hammond, la canción recuerda mucho a The Doors en el disco “Waiting for the Sun”. Tiene un aire muy lúdico y surrealista, creando un paisaje un poco tenebroso pero cómico a la vez. Vale destacar que las participaciones solistas de los instrumentos son siempre la misma melodía para todos, lo cual transforma el clásico solo en una reaparición constante de lo que podría ser un segundo motivo principal (siendo el primero el que aparece entre verso y verso de la letra).

“La Maga” nos trae el primer tema rockero del disco. Aquí no encontramos ningún rastro de esas influencias más jazzeras de la banda. Se trata de un tema tranquilo con aire de balada de rock alternativo que gracias al instrumental, como guitarras acústicas y piano y melodías bastante amigables, puede acordar al indie rock de bandas como Belle & Sebastian.

En “Timba”, es el acordeón quien sin duda lleva el volante musical. Esto ayuda mucho a crear el ambiente un poco veneciano con un ritmo muy bailable. Sin embargo, aunque muy pintoresco suene esto, el tema es bastante misterioso, como si fuera una canción para una película de detectives a lo Dick Tracy.

“Verano en Arachania” seguramente sea el mejor tema del disco. Instrumentalmente es muy diverso, encontrándonos con un sonido percusivo electrónico que trae el aire trip-hop de la banda, un sitar que evidencia las influencias de Miles Davis en su primera época eléctrica, y guitarras acústicas y teclados con pequeñas acotaciones. Algo interesante es la ruptura que se encuentra por la mitad de la canción, con un carácter más agresivo, totalmente opuesto a lo que venía sucediendo previamente. Creo que de todos los temas, este es el que mejor expresa ese deseo paisajístico y ambiental.

“Tren a Rotterdam” no es nada del otro mundo. Es una canción de rock un poco melancólica compuesta con una progresión de acordes bastante típica. Es una muy buena canción que puede no llamar mucho la atención, pero sí ser disfrutable. Lo interesante es que dentro de esto tan habitual, se encuentran grabaciones de paisajes sonoros que pueden darle un aspecto bastante peculiar, como sonidos de aviones.

“See all the blue” empieza como una triste, oscura y misteriosa balada de blues, con apenas un teclado marcando los acordes, una voz susurrando las letras y sonidos que parecerían ser de ruido filtrado creando esta caricia a la muerte. Aunque este principio no es tan rico como el tema anterior, sin duda es el paisaje más intenso del disco. Ya por la mitad de la canción, el piano empieza a hacer una armonía más cambiante para introducirnos de a poco a lo que luego será un jazz-blues al mejor estilo de Chicago, con la banda completa acompañada por vientos de metal, estos últimos siendo los protagonistas tímbricos.

“Hang out” es la más rockera del disco. Con una duración de casi 2 minutos, empieza como un rock deforme y surrealista con mucha energía. Pero esto, llegado al estribillo, se transforma en un rock and roll algo punk, dándole un toque de humor con tal cambio repentino.

“Selima” es el primer tema donde participa Pedro Dalton, cantante de Buenos Muchachos. Y como es de esperarse, la poesía reina en la canción, algo evidenciado en el inicio. El tema nos acerca al lado más post-punk de la banda, algo que obviamente puede recordar a Buenos Muchachos. Es un tema con muy intenso, con un ritmo de galope guiado por una guitarra acústica mientras que Dalton anuncia la cabalgata con un potente canto en el registro medio-agudo. Contiene una sección más pasiva en la mitad, pero pronto vuelve a la sección del principio con mayor energía, donde la voz de Dalton llega al grito y el saxo chilla de dolor.

“Miro al viento” es la segunda participación de Dalton. Por su carácter melancólico y contemplativo y el hecho de que este se mantiene homogéneo durante toda la canción, hace que esta canción sea de las que mejor enmarca un paisaje determinado, aunque sin duda no llega al imaginario de las demás, seguramente por tratarse de una balada bluesera y por ende algo que no es muy ajeno al oído. Obviamente que debido a esto, la canción invita a transportamos a una nocturna calle venida a menos. El instrumental reducido para lograrlo es esencial, siendo este un piano, la voz y un saxo, añadiéndose algunos sonidos electracústicos cercanos al final.

El tema que cierra el disco, “Nadie vio”, es el más largo de todos, cercano a los 8 minutos, y es algo que incita a crear algo más elaborado. La canción se divide en 3 secciones. Empieza con un dúo de piano y voz en un ambiente trasnochador penoso musicalizado con una balada de blues-jazz que suplica la liberación del dolor. Esto es luego transformado en un rock al estilo de The Doors (sobre todo por la línea secuencial minimalista del bajo y los acordes jazzeros del piano) que se desenfrena con una guitarra y efectos electrónicos ruidosos y chillantes, acercándolo a un noise rock muy original. Pero repentinamente, todo esto se corta como si cambiaran de cinta y aparece un piano haciendo un repetitivo y simple cambio de acorde que, gracias al trino y la gentileza, nos da el inicio de una armoniosa y cristalina sección, a la cual de a poco se van sumando los demás instrumentos para ir paulatinamente cargando el tema hasta estallar en el final; la liberación espiritual de toda la tristeza y soledad que nos había invadido previamente, un rayo de luz.

Creo que queda bien claro que más allá de que no es una música que nos pueda sorprender mucho y sonar ajena, pues son territorios que han sido explorados por varios artistas, la propuesta de Tráfico se aparta mucho de las de las demás bandas del Uruguay. En momentos más, en momentos menos, pero el trabajo total afirma que lo que se escucha aquí no se podrá escuchar en otra banda uruguaya.

Además, mientras que la base de las cancones hace uso de lenguajes musicales muy establecidos, la forma en que están adornados y arreglados, sea por los diversos timbres que podemos encontrar como la forma en que participan varios de los instrumentos, nos crean un entorno bastante original. Y de eso se trata la banda: paisajes sonoros. Hay letra, hay un desarrollo, pero creo que estos pretenden ser más bien medios y no el fin.

Bandas que la han luchado durante años, como The Supersónicos, Buenos Muchachos y La Hermana Menor, otras cuyo camino recién está empezando y aunque se encuentran en el medio under, su energía y potencia demuestran que no podrán ser frenados (como las que he escrito en otras ocasiones), y ahora Tráfico, están logrando cambiar la escena musical uruguaya, trayéndonos algo más rico, profundo, genuino y honesto.

 Como siempre, dejo algunos links para escuchar algunos de sus temas:

"Tren a Rotterdam": http://trafico.bandcamp.com/track/tren-a-rotterdam

"...Y las lucecitas": http://trafico.bandcamp.com/track/y-las-lucecitas

"Chinatown": http://trafico.bandcamp.com/track/chinatown

"Miro al viento": http://trafico.bandcamp.com/track/chinatown

"Timba": http://trafico.bandcamp.com/track/timba

También dejo para que vean el videoclip de "Chinatown": https://www.youtube.com/watch?v=bNYVQAjh0Ko

Y finalmente el Facebook de la banda, que como siempre, si se lee Hobo Blues, es un "Me gusta" a la página de la banda: https://www.facebook.com/trafico.com.uy