teatro de automatas del tango de daniel fulco

Anaclara - Daniel Viglietti en Buenos Aires, Teatro ND/Ateneo

DANIEL VIGLIETTI EL CHUECO MACIEL

Gabriel O Pensador - Cachimbo da Paz (Acústico)

O Rappa - O Salto [acústico MTV]

b b king

INtro
Riley B. King mejor conocido como B. B. King, nacido el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Misisipi, es considerado como el mejor guitarrista de blues que ha tenido la historia de la música y de ser el tercer mejor guitarrista de todos los tiempos . Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida.

Años de grabacion

En 1947, B.B. King comenzó grabando canciones bajo contrato con Los Ángeles basado en RPM Records. Muchos de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B. B.

Momento cumbre

En los 1950s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con un gran repertorio de exito. años despues firma con ABC-Paramount Records en e año 1962.
Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B (Rock and BLues, para el que no sepa).
También se elevó al puesto 183 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó visibilidad en la abertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones y Entre 1951 y 1985, apareció en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard unas impresionantes 74 veces.

Lucille

Lucille es el nombre de la guitarra más famosa de B.B. King. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille.

Rock Me Baby-BB KIng/Eric Clapton/Buddy Guy/Jim Vaughn

Nuevo disco de Daniel Raffo

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El guitarrista Daniel Raffo está estrenando su primer disco primer disco solista, "Daniel Raffo, King Size y otros".

Daniel Raffo

Este disco es una joya para los amantes del Blues , ya que después de dedicarse 27 años al género , Daniel Raffo decidió editar esta suerte de resumen de su proyecto King Size Blues como su primer disco solista .-

Para los coleccionistas y amantes de la música y el Blues es un disco lleno de aditivos , ya que fue grabado durante distintos años y con distintas formaciones que acompañaron a Daniel Raffo , en sus continuos años de realizar shows en vivo , sumado a invitados de lujo , con los que estos últimos tiempos comparte proyectos .

En él participan 17 músicos: actuales y antiguos miembros de su banda, destacados en la escena del blues y jazz local (Enrique Varela, Ricardo Tapia, Luis Robinson, Adrián Jiménez y Gabriel Gratzer entre otros) y Duke Robillard, quien durante su gira por Sudamérica compuso dos temas para este álbum del cual también participa en los Bonus Tracks .

Daniel Raffo versiona en este disco temas de BB King, Otis Rush, T-Bone Walker entre otros, y presenta dos instrumentales de su autoría, los cuales marcan la senda de su próximo disco, en el cual ya se encuentra trabajando.



Track list


1-It’s my own fault darling (King-Taub)

2-Chatanooga shoe shine boy (Red Foley)

3-Living in my neighbourhood (Magic Slim)

4-Right place, wrong time (Otis Rush)

5-Es la guitarra de Raffo (Daniel Raffo)

6-Are you gonna find my baby (T-Bone Walker)

7-Somebody’s knocking at my door (Intro Ronnie Earl, letra Chester Burnett)

8-Guitar Jump (Daniel Raffo)

9-Sufferin’ mind (Guitar Slim)

10-The thrill is Gone (BB King)

11-The sun is shining (Jimmy Reed)

12-Gate walks to board ( Clarence Gatemouth Brown )

13-Woman you must be crazy (T-Bone Walker)



SPECIAL BONUS TRACKS con Duke Robillard:

14-King Size Boogie (Duke Robillard)

15-Bye Bye Argentina (Duke Robillard)



FICHA TECNICA

MUSICOS, PERSONAL DE GRABACION, ESTUDIOS


Temas 1-2-5-6-7-12:
Grabado en Índigo Estudio.
Producción ejecutiva y grabación: Nicolás Raffetta. Mezcla: Gabriel Cabiaglia.

Personal: Daniel Raffo, guitarra en todos los temas, Patricio Raffo, batería en todos los temas, Mauro Ceriello, bajo en todos los temas, Nicolás Raffeta teclados en todos los temas, Roberto Porzio guitarra rítmica en 1 y 7, Diego Galiñanes saxo tenor en 6, Adrián Jiménez armónica en 7, Mauro Diana, voz en 1 y 6, Darío Soto, voz en 2, Gabriel Gratzer, voz en 7.



Temas 3-4-9-10:
Grabado y mezclado en estudio Ixtlan de y por Fabián Yajid y Gabriela Falcioni.

Producción ejecutiva: Fabián Yajid y Gabriela Falcioni.

Personal: Daniel Raffo, guitarra en todos los temas, Patricio Raffo, batería en todos los temas, Fabián Yajid, bajo en todos los temas, Nicolás Raffeta, teclados en todos los temas, Javier Goffman, voz en todos los temas, Carlos “Junior” Binzugna armónica en 3.





Temas 8-11-13:
Grabados por Agustín Herrero en su Estudio Freedom. Mezcla por Gabriel Cabiaglia.

Producción ejecutiva: Ricardo Tapia.

Personal : Daniel Raffo, guitarra en todos los temas, Enrique Varela, saxo alto en 13,Gabriel Cabiaglia, batería en todos los temas, Mauro Diana, bajo en todos los temas, Nicolás Raffeta, teclado en todos los temas, Mauro Diana, voz en 11, Ricardo Tapia, voz en 13, Luis Robinson, armónica en 11.



Temas 14 y 15:
Grabados y en Estudio Galápagos por Néstor Tinaro.

Producción ejecutiva: Ricardo Tapia

Mezclado por Néstor Tinaro (14) y por Duke Robillard (15). Ambos temas masterizados por Néstor Tinaro.

Personal: Duke Robillard guitarra en todos los temas, voz en 15, Mauro Diana bajo en los dos temas, Patricio Raffo batería en los dos temas, Nicolás Raffeta teclado en los dos temas, Daniel Raffo guitarra en los dos temas.


Masterización General: Ekuar Guedes.

Foto de Tapa: Gonzalo Ripoll.

Fotos: Walter Lagna-Fietta / Sebastián Muñoz (Chile)

Diseño de Tapa y Prensa: Laura Lagna-Fietta

Productor General Ejecutivo: Eduardo Martínez

biografias

JOHN COLTRANE. His Life And Music.
Autor: Lewis Porter
Editorial: University of Michigan (1998)
ISBN: 0-472-08643-X
Idioma: inglés.

Además de consumado pianista, Lewis Porter es uno de los escritores más prestigiosos en materia de jazz, profesor de la Universidad de Rutgers y fundador y director de su Master’s Program in Jazz History and Research desde 1997. El reconocimiento a su trabajo por parte de la comunidad jazzística no es en absoluto gratuito, como demuestra en esta brillante biografía sobre John Coltrane que destaca por su concisión, profundidad, exhaustiva documentación y excelente redacción. Porter desgrana la vida del saxofonista de Carolina del Norte con rigor, centrándose en los episodios vitales que influyeron en su evolución como músico y dedicando buena parte del libro a estudios técnicos sobre el estilo improvisatorio de Trane, lo cuál hace de este John Coltrane: His Life And Music una obra de referencia obligada para músicos de jazz. No obstante, obviando los capítulos más específicos, sigue siendo una lectura apetecible para el neófito.

Acompañando al texto podemos encontrar documentos de gran valor, como la partida de nacimiento del saxofonista o el certificado de matrimonio de sus abuelos. Porter profundiza en el aprendizaje musical de Coltrane, en sus primeras experiencias como sideman y, muy especialmente, en su evolución musical como líder desde finales de los años cincuenta. Transcripciones como la de “Venus” o el solo de “Equinox” arrojan luz sobre su importancia en la evolución del jazz, y comentarios tan acertados como el referente al enfoque de “So What” por parte de cada solista de la sesión de grabación de Kind Of Blue son impagables. Completa la obra una detallada cronología y una extensa referencia bibliográfica.

Coltrane y las certezas

Coltrane y las certezas

Por Enrique Turpin

¿Tendrá razón Renzo Piano, ese arquitecto que más bien parece un artesano solitario, cuando dice que el arte mejora a la gente porque permite entrar en un mundo de pocas certezas? ¿Será verdad que el cuestionamiento y la ausencia consiguiente de convicciones sólidas comportan una ruptura con el sistema de adiestramiento occidental?


Hoy Occidente ya no es una coordenada geográfica sino una forma de estar en el mundo. Que se acepten o se rompan sus reglas va a significar la diferencia entre dos modelos vitales, a saber: aquellas personas que busquen la oportunidad de ser ellas mismas, y aquellas que acaten el modelo propuesto y acaben siendo aquello que la sociedad espera de ellas. Como es de suponer, el mundo del jazz no es ajeno a esta dicotomía existencial, por más que la inmersión del entusiasta en las distintas expresiones del género altere de un modo considerable la estructura de su mente y, por ende, su estructura de pensamiento y su modo de interpretar el mundo. Algo parecido le sucede al estudiante de matemáticas, al alumno de sintaxis, al seguidor ajedrecista -entre otros tantos ejemplos-, mientras actúan sin percibir apenas que la frecuentación de estas materias de ocio y negocio condiciona la forma de abordar los problemas que surgen durante el paso por el mundo.

El arte en general, y el jazz en particular, entra dentro de estas consideraciones. En un Cuaderno de notas de publicación reciente (Páginas de espuma, 2010), Anton Chéjov dejaba escrito que “sólo las sociedades que atienden a sus artistas y ven en ellos a gente fuera de lo común, tienen por delante un alto destino”. El asunto tal vez tenga algo que ver con la certeza que tenía el escritor ruso al reconocer que sólo el trabajo que piensa en el porvenir tiene verdadero valor. A eso mismo habrá que aspirar, en el convencimiento de que la única forma de cambio de paradigma estriba en el cultivo del espíritu artístico desde todos sus flancos. Pero para llegar al punto en el que se empieza a cuestionar lo que se espera de nosotros cabe recorrer un trayecto que siempre conduce a un punto de no retorno. Traspasar ese punto es el dilema, aunque socorre en la elección reconocer que uno se vuelve más ligero y sustancial, más quien se es en realidad. La realización ocurre entonces cuando las referencias dispuestas hasta el momento ante uno, o las asimiladas dentro de uno, se desvanecen y ceden ante un mundo en el que reinan pocas pero valiosas certezas, como pretende el aserto de Piano.

Esa fue sin duda la búsqueda a la que John Coltrane dedicó tanta energía, a pesar de que la sociedad en la que se movió siempre le soportó a regañadientes, no le atendió como debió hacerlo ni vio en él un espejo en el que verse reflejada. Ben Ratliff ha entregado un estudio del antes, el durante y el después del ascenso del creador de A Love Supreme al firmamento de los escogidos, bajo el título Historia de un sonido (Global Rhythm Press, 2010). “¿Por qué John Coltrane continúa siendo objeto de piadosa veneración cuarenta años después de su muerte? ¿Qué hay en sus grupos, sus composiciones o sus piezas improvisadas para que tantos músicos y tantos oyentes sigan colgados de esas notas? ¿Cuál fue su papel en la historia del jazz y, más allá, en la de Estados Unidos?

¿Es posible que surja hoy otro Coltrane (es decir, otro mesías) o la pregunta carece de sentido?”. Son algunas de las preguntas que acompañan al texto promocional. La lectura del ensayo de Ratliff seguramente ayudará a responderlas, aunque no importa exagerar si es para decir que el jazz vivido desde la honestidad es la única religión que le ha dado al hombre la oportunidad de ser él mismo. Improvisación y swing, libertad y ritmo, las dos caras de una misma moneda. No hay acuerdo en reconocer que Coltrane fuera un mesías, pero de lo que no cabe duda es que fue un hombre honesto, honesto hasta el final en sus aspiraciones personales. Una certeza solitaria, pero tan sólida que resulta suficiente para mejorar a quien la siente.
© Cuadernos de Jazz, 2010

John Coltrane - I Want To Talk About You - 1962

John Coltrane: On Green Dolphin Street

John Coltrane & Stan Getz: Hackensack (Rifftide)

James Brown "Funky Drummer (Bonus Beat Reprise)"

Farrel Pharoah Sanders

Farrel Pharoah Sanders (Little Rock, Arkansas, Estados Unidos, 13 de octubre de 1940 - ), es un saxofonista de Jazz estadounidense.

Se destacó por su mezcla de estilo de Free jazz y marcadas lineas rítmicas, a menudo con percusiones africanas.

Estudió piano en la adolescencia, con su abuelo; luego batería y clarinete, y a los dieciséis años, saxo y flauta.

Sus comienzos fueron en algunas bandas locales de R&B, como las de Bobby Blue y Junior Parker. En 1959 se trasladó a Oakland, en California, para estudiar en la Oakland Junior College, donde logró tocar con apenas 19 años, con Sonny Simmons, Dewey Redman y Ed Kelly, con quienes forma el grupo "Little Rock", y con Phily Joe Jones.

En 1961 se trasladó a Nueva York destacando rápidamente entre los músicos de vanguardia de la Gran Manzana, adscritos en aquella época al freejazz, entre ellos Don Cherry, Sun Ra. En 1963 formó grupo con el pianista John Hicks el bajista Wilburt Ware y el batería Billy Higgings

Desde 1962, colaboró en la banda de John Coltrane, quien lo descubre en un concierto en el Village Gate y le invita a unirse a su banda y con quien colaboraría a menudo en los últimos discos que Coltrane hizo para el sello Impulse!.

Después de la muerte de Coltrane colaboró con su viuda Alice Coltrane mientras siguió grabando como solista, bajo el sello ESP y participó además en un par de álbumes de Sun Ra y otro con Don Cherry.

Su mayor éxito fue el disco Karma de 1969 con Leon Thomas como vocalista.

En 1987 grabó Africa con homenaje la música de Coltrane.

John Coltrane live

biografia de john coltrane

John Coltrane (Hamlet, 23 de septiembre de 1926 - Nueva York, 17 de julio de 1967), apodado Trane, saxofonista (tenor y soprano) y compositor estadounidense de jazz. Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Casado con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).

Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.

La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas (como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme).

Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).

Biografía:

Nacido en un pueblo de Carolina del Norte, Coltrane fue hijo de John R. Coltrane, un profesor y músico aficionado, y de Alice (Blair) Coltrane. Dos meses después de nacer, su abuelo materno, el Reverendo William Blair, fue nombrado regidor anciano de la A.M.E. Zion Church por lo que la familia se trasladó a High Point (NC), donde crecería John. Tras graduarse en 1939 en primaria, su padre, sus abuelos y su tío fallecieron, dejando diezmada la familia. Su madre hubo de trabajar como criada para sostener a la familia. El mismo año, John se unió a una orquesta de la comunidad en la que vivía en la que tocó el clarinete y el corno alto en Mi bemol; en su orquesta del instituto tocaría ya el saxofón. A comienzos de la Segunda Guerra Mundial, su familia se mudó a Nueva Jersey en busca de trabajo, dejando a John con unos amigos. Cuando en 1943 se graduó en el instituto, se trasladó en junio a Filadelfia donde la familia entera quedó reunida de forma provisional.

Fue reclutado por la Marina en 1945 y un año más tarde volvería a Estados Unidos. Coltrane trabajó en varios empleos durante los años cuarenta (siendo saxo alto) hasta que se unió a "Dizzy Gillespie's big band" en 1949. Permaneció con Gillespie hasta la separación de la banda en mayo de 1950 (ahora tocando saxo tenor) y luego se unió a un pequeño grupo de Gillespie hasta abril de 1951, cuando volvió a Filadelfia para asistir a la escuela.

A principios de 1952 se unió a la banda de Earl Bostic, y en 1953, después de algunos roces con Eddie Vinson, se unió a un pequeño grupo de Johnny Hodges (durante un tiempo libre de este saxofonista de la orquesta de Duke Ellington), quedándose hasta mediados de 1954.

Aunque existen grabaciones de Coltrane tan tempranas como del año 1946, sus pares en ese momento no reconocieron el genio de este joven músico. Su verdadera carrera se extiende desde 1955 a 1967, durante los cuales le dio nueva forma al jazz moderno e influenció a generaciones de nuevos músicos. Coltrane estaba libre en Filadelfia en el verano del 55 cuando recibió una llamada del trompetista Miles Davis. Davis, cuyo éxito a finales de los años 40 fue seguido por varios años de deficiente producción, quería comenzar de nuevo y formar un quinteto. Coltrane estuvo en la primera formación del grupo de Davis desde octubre de 1955 hasta abril de 1957. Un periodo en que se grabaron algunos de los discos más influyentes de Davis y fue cuando se evidenciaron las primeras señas del crecimiento de Coltrane. Este clásico primer quinteto, es mejor representado por dos sesiones de grabación maratonianas realizadas para Prestige en 1956. Se disolvió a mediados de abril.

Durante la última parte de 1957 Coltrane trabajó con Thelonious Monk en el "New York's Five Spot", la legendaria sala. Luego volvió a unirse a Miles en enero de 1958, donde permaneció hasta abril de 1960, tocando habitualmente junto al saxo-alto Cannonball Adderley y el baterista Philly Joe Jones como un sexteto. Durante este tiempo participó en memorables discos como "Milestones" y "Kind Of Blue" y además grabó sus más influyentes discos con su grupo, "Blue Train" y "Giant Steps". A finales de su estadía con Davis, Coltrane comenzó a tocar el saxo soprano.

Coltrane formó su primer grupo, un cuarteto, en 1960. Tras pasar por el mismo músicos como Steve Kuhn, Pete LaRoca y Billy Higgins, el grupo se estabilizó con el pianista McCoy Tyner, el bajista Steve Davis y el batería Elvin Jones.

Durante su estancia con Miles, Coltrane había firmado un contrato con Atlantic Records, para quien grabó el disco Giant Steps. Su primera grabación con su nuevo grupo fue My Favorite Things. El grupo exploraría la espiritualidad en trabajos como "A Love Supreme". "A Love Supreme" es una obra lírica de cuatro partes basado en un simple acorde de bajo.

Coltrane muere de cáncer de hígado en el Huntington Hospital en Long Island, Nueva York el 17 de julio de 1967.

Ravi Coltrane, hijo de John Coltrane siguió los pasos de su padre y se convirtió en saxofonista.

fuente jazzeando

otro link

es un link a una revista argentina de jazz.

http://www.argentjazz.com