ALBERTO WOLF & LOS TERAPEUTAS - Mis Héroes - MONSTRUO (2012)

La Mejor Cerveza Que He Probado!!!

La Mejor Cerveza Que He Probado!!!



Grolsch Brewery, conocido simplemente como Grolsch, es una organización holandesa cervecería fundada en 1615 por Willem Neerfeldt en Groenlo. En 1895 la familia De Groen compró la fábrica de cerveza. Ellos habían comenzado su propia fábrica de cerveza en Cuijk los Países Bajos a principios de 1800. Se llevó a cabo una participación significativa hasta noviembre de 2007. Se encuentra hoy en Enschede, y ha sido una parte de la SABMiller grupo desde marzo de 2008. Se le otorgó el Koninklijk (Royal) el título en 1995.
Breve detalles

La fábrica de cerveza Grolsch fue fundada en 1615 en Groenlo. La ciudad de Groenlo entonces era conocida como Grolle, de ahí el nombre de Grolsch, que significa "de Grolle. Grolsch es mejor conocido por su 5% de contenido en alcohol pálida lager , Grolsch premium Pilsner. La cervecería fue operado por primera vez por Willem Neerfeldt. Grolsch fue, a partir de febrero de 2006, el segundo productor más grande de cerveza en los Países Bajos (después de Heineken ) con una producción anual de 3,2 millones de hectolitros. El mercado nacional cuenta con cincuenta y uno por ciento de la producción total.

Grolsch es el mayor proveedor de 21 de cerveza en el mundo, y está disponible en 70 países. Grolsch se centra principalmente en los siguientes mercados: el Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Australia y Nueva Zelanda. Estos mercados primarios representan el 78 por ciento de las ventas internacionales Grolsch (en volumen). Grolsch premium Pilsner es, de lejos la cerveza más importante en el perfil internacional de Grolsch, mientras que su marca Amsterdam creció en un 40 por ciento en 2006, principalmente en Rusia y Francia.
Grolsch premium Pilsner se fabrica bajo licencia en el Reino Unido por Grolsch (Reino Unido) Ltd.

La cervecería



Aunque construido como un centro de secundaria, la cervecería Enschede en los últimos años se convirtió en el principal productor de Grolsch. Esta cervecería fue gravemente dañada durante una explosión de fuegos artificiales el 13 de mayo de 2000. La fábrica de cerveza en Groenlo se ha cerrado y una nueva cervecería en Boekelo, cerca de Enschede fue inaugurado en 2004.

Para subrayar sus vínculos con Enschede y toda la región Grolsch firmado un acuerdo con el profesional del club de fútbol FC Twente para patrocinar su estadio a partir de la temporada 2008/2009. El estadio lleva el nombre De Grolsch Veste (Grolsch Fortaleza), una referencia a la historia de la ciudad fortificada Grol , la ciudad natal de Grolsch.

Beer



Grolsch produce una gama de cervezas pálidas sin alcohol de 11,6% vol :

Grolsch premium Pilsner - Conocido internacionalmente como Grolsch Premium Lager, la cerveza Grolsch es el buque insignia y un total de 95% de las ventas. Contiene 5,0% vol.
Grolsch Rubio Premium - Rubio es una versión más ligera de la Pilsner, con un 30 por ciento menos de calorías y el 4% de contenido en alcohol.
Grolsch Premium Light - Una versión ligera de la Pilsner con un 3,7% vol, disponible sólo en los Estados Unidos.
Grolsch Weizen Premium - Un tradicional Hefeweizen fabricada según el Reinheitsgebot . Termina suave y húmedo y tiene 5,5% vol.

Rubio Grolsch, Grolsch Premium Lager y Weizen Grolsch premium son todos los enumerados por la Sociedad Vegetariana como aptos para vegetarianos. Grolsch ganó en el "Mejor vino o cerveza Vegetariana" el 2003 en los Premios Sociedad Vegetariana.

Cervezas especiales:

Grolsch premium Lentebok (6,5% vol)
Grolsch premium Herfstbok (6,5 y contenido de alcohol)
Grolsch malta premium (sin alcohol)
Grolsch Oud Bruin (2,5% vol)
Grolsch Het Kanon (11,6% vol)
Grolsch Premium para el 2.5 (2.5% vol)
Grolsch Limón 2.5 (2.5% vol)
Grolsch arándano Rosado (5,5%)

Grolsch también produce la marca de Amsterdam de bajo precio, principalmente lagers fuertes para el mercado europeo. También se vende en Australia.

Amsterdam Maximator (11,6% vol)
Amsterdam Navigator (8.4% vol)
Amsterdam explorator (6,8% vol)
Amsterdam Mariner (4,8% vol)
Amsterdam Libertador (sin alcohol)



Diseño de la botella.



Además de la "nueva" botella, Grolsch utiliza una botella de distinta forma en algunos de sus productos, conocidos como de beugel o "la llave". Botellas de este tipo de uso de una gorra de swing-superior, eliminando la necesidad de un abridor. La botella contiene un tercio más que la capacidad de la botella de cerveza holandés medio, mientras que la botella verde de exportación es ligeramente más grande, es de 467 ml. En 2008, la fábrica introdujo un diseño más delgado tanto para el mercado interno y de exportación. Las nuevas botellas se pueden abrir a mano, usando una palanca en el extremo del cuello de botella. La etiqueta se aplica sobre la palanca para hacer evidente la manipulación. La parte superior se hacían de porcelana, pero ahora está hecho de plástico. Botellas con las tapas de porcelana todavía están en circulación en los Países Bajos. Son populares entre los cerveceros caseros, ya que son muy robustos y pueden ser sellados a mano, En América del Norte, sin embargo, las cubiertas de metal tradicionales de botellas se están convirtiendo cada vez más frecuente.

En ocasiones se usan botellas de Grolsch de diferentes colores, dependiendo de la bebida, por ejemplo, la botella de cerveza rubia es de color amarillo, mientras que la variedad de limón 2.5 viene en una botella verde claro.


Aquí, tomandome una Grolsch

Charles Mingus

Charles Mingus (Nogales, de Arizona, 22 de abril de 1922 – Cuernavaca, de México, 5 de enero de 1979) fue un contrabajista, compositor, director de big band y pianista estadounidense de jazz. También fue conocido como un activista en contra el racismo.

Se crió en el área de Watts, en Los Ángeles (California). Su familia era de origen sueco y afroamericano por parte de sus abuelos paternos y chino y británico por parte de sus abuelos maternos. A pesar de esto, creció en un entorno familiar estricto y discriminatorio.
Su madre falleció apenas seis meses después del parto a causa de una miocarditis crónica, quedando Mingus a cargo de una madrastra mitad amerindia y que permitía únicamente música relacionada con la iglesia en el hogar, por lo que Charles tuvo sus primeros contactos con la música en la Iglesia Holiness Church de Watts. A pesar de esto, desarrolló un prematuro afecto por el jazz, especialmente por la música de Duke Ellington.
Estudió el trombón en un principio, pero dada la incompetencia de su profesor, desvió su atención hacia el chelo. Un amigo suyo, conocedor de las ideas antirracistas de Mingus, le advirtió que estaba ensayando con un instrumento más propio de blancos que de negros, lo que hizo que se dedicara al estudio del contrabajo.
Durante su adolescencia escribió un gran número de piezas musicales avanzadas; muchas de ellas en la línea de la Third Stream (una síntesis de música clásica y jazz). Algunas fueron grabadas en 1960 con el director Gunther Schuller y distribuidas como Pre-Bird, en referencia a Charlie "Bird" Parker. Mingus pertenece a un gran grupo de músicos cuya perspectiva de la música se vio alterada por Parker, vivieron la era antes y después de Bird.
Escuchando a Duke Ellington, descubrió que había otra música más allá de los muros de la iglesia y tomó lecciones de Red Callender (1916 - 1992), un magnífico contrabajista de la era del swing. En 1940 obtuvo su primer trabajo serio con el baterista de jazz Lee Young (1914 - 2008), hermano de Lester Young, y consiguió algunas actuaciones con el clarinetista y saxofonista tenor Barney Bigard (1906 - 1980) y Louis Armstrong en 1942. Por otro lado, completó su formación teórica y práctica con el conocido contrabajista de la Orquesta Sinfónica de Nueva York Herman Rheinshagen y debutó como compositor en la orquesta de Lionel Hampton en 1947. Conoció al vibrafonista Red Norvo y ello le dio alas para dirigirse a Nueva York en una época en que la Gran Manzana era un hervidero musical de nuevas ideas.
Allí conoció los círculos musicales del bebop y a Charlie Parker, que, cuando lo escuchó por primera vez, lo animó a perseverar en su música. En 1952 fundó con Max Roach su propio sello discográfico, Debut Records, y su primera grabación fue el concierto de 1953 en el Massey Hall de Toronto, Canadá, considerado como el canto del cisne del bebop. Asimismo, fundó un grupo de corte interracial y cooperativo, el Jazz Workshop, cuya filosofía buscaba un compromiso creativo y original entre el bebop, el cool y la conocida como tercera corriente.
A partir de ahí comenzó su periplo musical como líder y grabó en 1956 para el sello Atlantic Records su primera obra importante: Pithecanthropus Erectus, muy innovadora y enraizada al mismo tiempo en los compositores clásicos del siglo XX y en el blues y la música religiosa afroamericana.
Entre finales de los 1950 y principios de los 1960, grabó el cuerpo de su obra discográfica más importante, en el que se encuentran varias obras maestras repartidas entre distintas casas discográficas: The Clown (Atlantic, 1957); New Tijuana Moods (RCA, 1957); Mingus Ah Um (Columbia, 1959); Blues & Roots (Rhino, 1959); Mingus at Antibes (Atlantic, 1960); Charles Mingus Presents Charlie Mingus (Candid, 1960) o el considerado por muchos críticos su obra maestra, The Black Saint and the Sinner Lady (Impulse!, 1963), y entre esos discos, pequeñas composiciones que se han convertido con el transcurrir del tiempo en grandes estándares del jazz como "Goodbye Pork Pie Hat", un homenaje a Lester Young, o "Better Get Hit In Yo' Soul".
En 1964 inició una gira por Europa con un sexteto que incluía a Eric Dolphy. En los setenta graba en trío con Duke Ellington.
Escribió, en 1972, siete años antes de morir, su autobiografía, Beneath The Underdog (en castellano, Menos que un perro), obra que ayuda a comprender al músico y describe y critica el ambiente racista en el cual vivió.
Una enfermedad degenerativa muscular acabó con su vida en 1979; sus cenizas se esparcieron en el río Ganges. Durante ese mismo año, Joni Mitchell editó Mingus, un álbum homenaje en el que intervinieron músicos famosos como Wayne Shorter, Jaco Pastorius y Herbie Hancock.

 
discografia:

1955 - Mingus at the Bohemia [live] (Debut/OJC)^[1][2]

1956 - Pithecanthropus Erectus (Atlantic)

1957 - The Clown (Atlantic)

1957 - Tijuana Moods (RCA)

1957 - New Tijuana Moods (Bluebird/RCA)

1959 - Mingus in Wonderland (Blue Note)

1959 - Blues and Roots (Rhino)

1959 - Mingus Ah Um (Columbia)

1959 - Mingus Dynasty (Columbia/Legacy)

1960 - Mingus at Antibes [en vivo] (Atlantic)

1960 - Charles Mingus Presents Charles Mingus (Candid)

1961 - Oh Yeah (Rhino)

1961 - Reincarnation of a Lovebird (Candid)

1963 - The Black Saint and the Sinner Lady (Impulse!)

1963 - Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus (Impulse!)

1964 - The Great Concert of Charles Mingus [en vivo] (Prestige)

1971 - Let My Children Hear Music (Columbia)

1974 - Mingus at Carnegie Hall [en vivo] (Mobile Fidelity)^[3]

1974 - Changes One (Rhino)

1974 - Changes Two (Rhino)

1977 - Three or Four Shades of Blues (Atlantic)

"El Jugador que no seré: consideraciones sobre fútbol y metegol"

“Angel y demonio a la vez”

por Cristian Vitale

“Angel y demonio a la vez”
Pappo cumpliría hoy 55 años y Spinetta lo recuerda así.
El Flaco y el Carpo compartieron historias y zapadas en los comienzos del rock nacional.
Ahora Spinetta, conmocionado por la muerte de su amigo, habla de él: “Era todo garra y swing”.
En Spinettalandia y sus amigos, su primer disco solista, Luis Alberto Spinetta había incluido dos temas de Norberto Napolitano: "Era de tontos" y "Castillo de piedra".
Fue un error nunca aclarado, la compañía que editó ese disco, muy experimental y grabado en apenas 30 horas, no le reconoció a Pappo la autoría.
“El Carpo me hizo escuchar esos temas y pidió que los cantara, y por eso los incluí.
Ya los tenía armados.
El bajo lo tocó él mismo. Ese disco es una experiencia con no-músicos, por así decirlo, excepto por esos arrolladores riffs de Pappo, quien siempre fue el autor de esas dos músicas y letras, pero que la editorial me las atribuyó durante años.
Yo jamás volví a cantarlos.
Son geniales”, recuerda Spinetta ante Página/12.
Aquellas dos canciones –más la grabación de El parque, que compartieron con Black Amaya y Pomo en el primer disco de La Pesada– reflejan el momento

más álgido de la relación entre ambos.
Es sabido que el Flaco no es muy afecto a dar notas y menos aún si la temática es el pasado, pero la muerte de un viejo amigo, de un guitarrista a quien siempre admiró –aun en sus momentos más distantes–, lo conmovió.
“Me quedo con lo más lindo de él, con el ángel de su guitarra”, dice.
Se conocieron a fines de los ’60 en La Cueva y profundizaron su relación en una casa que el sello Mandioca había alquilado en Mar del Plata.
Después llegaron zapadas, anécdotas en común y un vínculo que tuvo sobresaltos –la guitarra, regalo de Luis, que Pappo dio en forma de pago por una Les Paul en Madrid o el sopapo del Carpo a su ahijado Lucas Martí–, pero que nunca pasó de eso.
“Sin rencores, pienso que eventualmente hasta Lucas, como otro gran violero que es, le perdona todo, como todos lo hicimos ya.
Dios ya le pidió que bajara el volumen, pero después, al escucharlo un ratito, no le dijo nada más y sonríe, porque lo tiene cerca.”
–¿Cómo conoció a Pappo?
–La primera vez que lo vi fue a través de una foto de Los Abuelos de la Nada.
En esa foto se lo ve con el pelo revuelto, llamando la atención a lo Frank Zappa.
Ya estaba bien ubicado. Luego lo conocí en La Cueva de Rivadavia.
Cuando lo escuchamos tocar, con Emilio (Del Guercio) y Edelmiro (Molinari) no lo podíamos creer.
Era todo garra y swing.
–¿Qué recuerdos lo impregnan de esa época?
–Los primeros son de Mar del Plata, de la casa que Mandioca alquiló para las bandas que tocaban en su propio boliche.
Manal, Moris, Miguel Abuelo y las zapadas geniales de todos. Con Emilio y Pappo, Gabis, Javier Martínez, Alejandro Medina y otros aprendimos códigos inolvidables.
Pappo es un actor excepcional. Con Pappo y Del Guercio improvisábamos obras de teatro del ridículo. En un segundo nos caracterizábamos y empezaba la obra.
Nos sacaba del libreto, nos hacía reír y no aguantábamos más.
–¿Cómo lo definiría?
–Pese a lo diferentes que pudimos llegar a ser en nuestra madurez, fuimos bastante unidos en aquella época.
Te hacía reír antes de saludarte, un constante payaso loco.
Norberto era una persona genial. Angel y demonio a la vez, y así será siempre...
Cuando se es así, cosas como las violas eléctricas se convierten en esclavas de tus instintos.
Por eso tocaba así...
Siempre que voté, lo voté como mejor violero.
–¿Es cierto que estuvo por ser el primer bajista de Pappo’s Blues?
–Eso no es demasiado exacto, porque Pappo ya tenía tríos que duraban lo que él quería.
Yo me enloquecía tocando bases con la viola rítmica para que él zapara, para escucharlo tocar frente a frente.
Si sólo había una guitarra horrible, él igual la agarraba y la hacía de goma.
Luego, si aparecía Pomo, y había equipos y todo, alguien tenía que tocar el bajo y así se armaba bien.
Pero era obvio que el bajo, si éramos sólo nosotros tres, me correspondía a mí.
Hicimos el trío Tórax, donde tuve que armar temas que yo pudiera tocar con el bajo.
Hacíamos grandes espacios para que Pappo se despachara. Una masa.
A veces tocaba el Hammond o algún pianito y era un mago. Sin saber nada, sabía todo. Te tocaba un trino blusero, te hacía reír y sonaba muy bien...
–¿Cuánto se enojó cuando cambió la guitarra que le había regalado? Es uno de los mitos de la historia del rock argentino...
–En su momento fue una desilusión muy grande, digamos.
Pero duró lo que un gas en una canasta. Aunque el siguiente encuentro ya tenía marcado el peso de esa circunstancia vivida, luego era sólo anécdota.
Nunca dejé de considerarlo el mejor violero de rock, antes y después de la anécdota.
–¿Cuál es la instantánea que le viene del momento en que grabaron juntos El parque para el primer disco de La Pesada?
–No me acuerdo muy bien.
A mí no me agradaba mucho Billy Bond, pero era una constante que todos pudieran pasar por allí y tocar.
No sé cómo evaluarlo ahora, porque no lo volví a escuchar.
Pero tocar o cantar con Pappo siempre era bueno.
Acá o en el más allá, siempre voy a estar haciéndole la base.
–El siempre habló con respeto sobre usted, pero opinaba que lo suyo, después de Pescado Rabioso, no era rock sino “un estilo propio”
–Creo que tiene razón, porque para él, que es un blusero, lo que yo hacía en Almendra se escapaba de eso y, en definitiva,

nunca quise quedarme en ningún estilo en particular.

–¿Qué pasó entre ustedes después de esos intensos momentos?
–Una vez Pappo tocó con Spinetta Jade en el Astral. Tocamos "Digital Ayatollah", que es muy complicado.
Como no teníamos tiempo, yo le dije: “Cuando viene la base, vos tocá en fa sostenido”, que en realidad no es un tono muy usual.
Generalmente hay que poner un capotraste. Pero El Carpo no dudó un instante.
Ya sabía todo y se tocó la vida. Fue un encuentro genial. Luego en los camarines, para festejar, hizo uno de sus famosos “sospechoso” estirando su mandíbula inferior hasta formar una especie de “cantero semicircular” para luego verter cerveza que chorreaba por entre sus dientes.
Hizo de fuente humana y moríamos de risa.
Otra fue hace algunos años. Tocábamos en San Isidro y fue a la prueba, quiso tocar y así fue.
La rompió. Y después, en unos estudios gigantes en Miami, durante los ensayos del desenchufado Estrelicia, se acercó mientras tocábamos Mi sueño de hoy, que es un tema “jazzero”, agarró una viola y se tocó todo.
Todos lo escuchamos, fue bárbarp...

rossana taddei

Presentación


Rossana Taddei nace en Uruguay
1970 - Viaja a Suiza

1981 - Regresa a Uruguay

1985 - Primer premio concurso ¨l´air du temps¨, Viaja a Paris, Graba en estudios EMI la canción ganadora. Primer premio ¨Festival de La Paz¨.
Graba la canción ganadora en un fonograma compartido.

1988 - Graba con la banda ¨Camarón Bombay¨

1989 - Edita su primer fonograma como solista ¨ De Minas a Paris¨.

1994 - Segundo Premio concurso ¨Music Quest¨.

1995- Edita su primer CD ¨Luz Violeta¨ .
Participa como invitada especial en el CD ¨La iguana en el jardín¨ y participa en el simple ¨Jirafas Negras¨ de Caludio Taddei. Graba en el cd ¨Cebras, Nacar y Rubí¨

1997 - Edita cd junto al artista ¨Leo Masliah¨ titulado ¨Taddei-Masliah¨
1998 - Recibe apoyo del FONAM y AGADU para la realización del video clip ¨Pies de Anahí¨ del cd ¨Taddei-Masliah¨
Presenta su primer libro de cuentos ¨Otros cuentos y aros azules¨

1999 - Con el auspicio de FONAM, AGADU y SUDEI viaja a Suiza junto a su hermano Cludio, donde realizan una amplia gira musical además de realizar 3 exposiciones de obras plásticsa.
2000 - Recibe otro apoyo de FONAM para la grabación de su nuevo album discográfico.

2001- Graba ¨Alas de Mariposa¨

2002 - Edita Alas de Mariposa en una producción independiente.
2003- Participa como invitada en el album ¨Para el sur el norte está lejos¨ de Claudio Taddei.
Realiza video clip ¨Ya vas a ver¨
2004- Musicalización de la obra de teatro ¨Siglo de Versos¨, con la participación de Alejandro Camino y Dirección de Marcelino Doufo
Musicalización de la obra de teatro ¨El Grito¨, dirección de Sofía Campal
Edita el cd ¨Saliendo al Sol¨


Discografía


1990 - LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CAPERUSITA ROJA (con el grupo Camarón Bombay)

1991- DE MINAS A PARÍS (como solista, para el sello SONDOR)

1995- TU LUZ VIOLETA (como solista, para el sello SONDOR)

1997- TADDEI/MASLÍAH (disco compartido con LEO MASLÍAH, para el sello SONDOR)

2002 - ALAS DE MARIPOSA (como solista, para GITANA RECORDS) Escuchá sus temas

2004 - SALIENDO AL SOL (como solista, para el sello AYUÍ/TACUABÉ)

El Lobo Aullador

Enero 18, 2013

…“Mucha gente pregunta ¿Qué es el Blues? Escucho a muchos diciendo “el blues, el blues…” Pues yo voy a contarles lo que es el Blues. Cuando no tienes dinero, ahí tienes Blues, cuando no te alcanza para pagar tu casa, sigues teniendo el Blues. Mucha gente comenta, “no me gusta el blues”, pero cuando no tienes dinero, no puedes pagar tu casa y no te alcanza para comer, tu estás condenado al Blues. Cuando no tienes dinero tienes el Blues porque estas jodido”…
Hay veces en las cuales a uno se le hace difícil de creer como ciertas personas con una vida turbulenta y una infancia aun peor, pueden llegar a ser tan sensibles a la hora de transmitir el amor. Chester Arthur Burnett fue uno de ellos.

Nacido en Mississippi (como no podía ser de otra manera) en 1910 a muy poca distancia de la maravillosa Plantación Dockery, un niño robusto que durante años acobijó los apodos de Bull Cow (algo así como Toro) y Big Foot (pie grande), se escapaba a la Plantación Dockery para juntarse nada más ni nada menos con el gran Charlie Patton, del cual pudo aprender algunas técnicas para ejecutar su guitarra. Con los años Chester se haría mas conocido bajo el sobrenombre de Howlin’ Wolf, que según dicen obtuvo de las historias que su abuelo le contaba cuando niño, las cual decían que si él se portaba mal una jauría de lobos aullando vendrían a buscarlo.
La crianza musical de Wolf se agrandó plenamente cuando en la década del treinta solía tocar junto a Robert Johnson y Sonny Boy Williamson II, este último con los años se convertiría en el marido de su hermana. Es asombrosamente envidiable y me enoja muchísimo no poder haber sido parte de alguno de esos conciertos en los campos del fantástico Delta de los Estados Unidos de América.

Howlin’ Wolf

A muy temprana edad su madre lo echó de su casa porque él no quería trabajar en los campos de algodón, entonces fue a vivir con su tío, el cual lo maltrataba de sobremanera. Intentó hallar la felicidad cuando escapó de la casa de su tío caminando casi 140 kilómetros para poder reencontrarse con su padre, el cual le dio la infancia que merecía. Pero unos años más tarde el gobierno de los Estados Unidos lo llamó para alistarse en el ejército y ahí su vida volvía a ser un tormento (como para casi todos los jóvenes de color de aquella época). Yo creo firmemente que todo el odio y repudio que vivió Wolf en sus primeros años han sido responsables de esa tan furiosa voz capaz de rajar los macizos y fértiles suelos de todo el Delta. El legendario Sam Phillips, quien plasmó las primeras canciones de Wolf en un disco, dijo: “Este muchacho, para mi, encarna lo mejor del alma humana. Sus ojos se iluminaban y podías ver las venas de su cuello y, amigo, no había nada en su cabeza mas que la canción. El hijo de puta cantaba con su maldita alma”
Era un hombre muy solitario y de pocas pulgas. Imponía respeto con su carácter y su enorme cuerpo, y a veces era algo antipático. Por suerte estas “cualidades” desembocaron en su eterna rivalidad con Muddy Waters, cosa que yo agradezco tantísimo, porque gracias a esta guerra de egos ellos sacaron lo mejor y lo peor desde el oscuro fondo su alma, formando y enriqueciendo el Blues de Chicago, siendo así dos pilares fundamentales en la creación de esta bellísima expresión conocida como Amor pero que algunos decidieron llamar Blues.

Howlin’ Wolf

Wolf ha influenciado a un número incalculable de músicos que luego serian los arquitectos del Rock And Roll. Su legado es de lo mas extenso y maravilloso de nuestra era: Jimi Hendrix, Rolling Stones, Cream, The Animals, The Kinks, Creedence Clearwater Revival, Canned Heat, Grateful Dead y la lista continua. En todos estos artistas escuchamos algo de Wolf. Su manera rudimentaria de tocar la guitarra, la violencia al ejecutar su armónica te da la sensación de que se van a caer los techos, y su aullido tenebroso lleno de dolor e injusticia que lograría hacer temblar a Goliat y todos sus parientes.
Pero una vez mas el maldito cáncer se ha llevado a otro gran profeta del amor, y el diez de enero de 1976 en el hospital para veteranos de Hines, Illinois, el alma de Wolf se fue al cielo con su tenebrosa y ronca voz a reclamar lo que nunca le dieron en vida. Hoy, algunos lo llaman truenos.

Howlin’ Wolf

Smokestack Lightning

http://youtu.be/-wS0-5UMhiM