jueves, 15 de septiembre de 2011
¿A cuántos no nos gustaría que los decadentes edificios de la ciudad cambiaran?
¿A cuántos no nos gustaría que los decadentes edificios de la ciudad cambiaran en un abrir y cerrar de ojos? ¿A cuántos no nos gustaría hacer de un muro gris y resquebrajado los tomáramos como lienzos para convertirlos en obras de arte? ¿Qué pasaría si los lugares sórdidos y abandonados que habitan muchas de las grandes ciudades y que en muchas ocasiones son cuevas de delincuentes, se convirtieran en posibles espacios de expresión artísticas? (Mar, 19 Abr 2011)
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Este artista de tan sólo 24 años de edad comenzó haciendo Graffiti tradicional y poco a poco ha ido explorando nuevos materiales hasta crear un muy interesante y no menos excéntrico método de trabajo: a partir de explosiones con las que devasta el revestimiento de los muros transforma los edificios en murales que exponen retratos de miradas desafiantes que observan a los paseantes desde la profundidad de los muros.
Farto reside en Londres pero nació en Portugal. Tiene obra en ambas ciudades. Además de trabajar en los muros como soporte, también tiene obra más convencional sobre: metal, papel, madera, instalaciones, impresiones, entre otros.
miércoles, 24 de agosto de 2011
Transformar la favela en una obra de arte
Las favelas en Rio de Janeiro están ubicadas en las laderas de los morros que se internan en la ciudad. Tienen, por ello las mejores vistas del centro y las playas cariocas. Un proyecto intenta convertir la favela en una obra de arte.
La caótica organización de una favela y su implantación en cada rincón de la ladera de la sierra, la convierten en un amasijo de construcciones aparentemente improvisadas.
Los artistas holandeses Haas y Hahn se sintieron inspirados por ese paisaje de fachadas de mil formas, tamaños, materiales y orientaciones, y decidieron que sería el mejor lienzo para una obra de arte ciudadana.
Así es como junto con los habitantes de la favela Santa Marta, sobre el centro de Rio de Janeiro, la están transformando llenándola de colores siguiendo un patrón establecido que la convertirá en una obra de arte intergral.
Si te interesa seguir el proceso o conocer otras obras ciudadanas de estos artistas, puedes visitar su web: Favelapainting.
Sitio web (foto)| Favelapainting
En Diario del Viajero | Visita a las favelas de Brasil
En Diario del Viajero | Alójate en una favela en Rio de Janeiro
Favela Painting
Mientras en Rio la venta de coches blindados para ricos se está convirtiendo en uno de los negocios más rentables, la vida en las favelas sigue siendo difícil. Muy difícil. Los ajustes de cuentas entre bandas, la corrupción policial y, en definitiva, la inseguridad ciudadana hacen que el día a día se convierta una auténtica proeza. Por eso tienen tanta importancia las iniciativas como el Favela Painting Project. Dos holandeses que pintan enormes murales en las favelas trabajando codo con codo con su gente para dar una imagen distinta al exterior a base de arte y creatividad. ¡Olé!
favelas paintig
Favela painting, ¿arte para cambio social?
¿Puede el arte ser un agente de cambio social? Las intervenciones de "bajo coste" promovidas por el alcalde Edi Rama en Tirana, que comentamos en Colores para Tirana, han demostrado la capacidad de la estética pública para ayudar a provocar cambios en la percepción de los ciudadanos sobre su propio entorno. El caso de Julian Schnabel en Nueva York muestra que la estética es sólo instrumental y lo relevante es que los vecinos se "apropien" del cambio para incorporarlo a su identidad.
El proyecto Favela Painting surge en las favelas de Río de Janeiro y Sao Paulo con un objetivo muy similar al de Tirana. Promovido por la Fundaçcao Firmeza pretende crear murales de gran formato en "lugares donde las personas están socialmente excluidas" con el fin último de apoyar un proceso educativo y motivar a las comunidades locales, especialmente a los más jóvenes, para que mejoren su imagen hacia al exterior y hacia el interior construyendo una identidad más positiva de sus propias comunidades.
La historia comienza en 2005 cuando los holandeses Dre Urhahn y Joroen Koolhaas viajan a Brasil para filmar el documental "Firmeza Total" sobre los jóvenes y el rap en las favelas de Río y Sao Paulo. Como consecuencia, en 2006 iniciaron su primer proyecto en Vila Cruzeiro, una de las favelas más conocidas de Río. Para ello presentaron diferentes diseños a los vecinos y entre todos seleccionaron uno que después pintaron colectivamente. Al tiempo documentaron todo el proceso mediante fotografía y vídeo. Finalizaron este primer mural a principios de 2007.
Primer mural en la favela Vila Cruzeiro de Río de Janeiro.
ADN.es
Además organizan cursos con centros culturales locales sobre arte, diseño, fotografía para dotar a las comunidades locales de herramientas creativas, de modo que en el futuro puedan surgir nuevos proyectos de este tipo de una forma más autónoma.
La documentación generada ha permitido realizar diversas exposiciones (en Rotterdam y Amsterdam, hasta el momento), que incluyeron una instalación de "video inflable" que se exhibió en Rotterdam. La financiación para estos proyectos procede de donaciones y de las subastas que ha organizado Christie's de las obras que se muestran en las exposiciones.
El impacto mediático de Favela Painting parece que ha sido un éxito, pero está aún por conocer si ha generado las dinámicas sociales que se pretendían dentro de las comunidades. Frente a esta actitud positiva y posibilista existen miradas más pesimistas que proponen que los condicionantes sociales locales son trampas de las que es casi imposible escapar. Esta es la visión de la película Tropa de élite, que también tiene como escenario las favelas brasileñas, realizada por José Padilha y que fue premiada en la reciente Berlinale.
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En el último mes, Praça Cantão, la plaza a la entrada de la comunidad de Santa Marta ha sido escenario de una intervención de arte espectacular que la convirtió en una obra de arte vibrante de escala monumental.
34 casas de la gigante favela situada en el centro de Río de Janeiro, fueron pintadas con un diseño de rayas de colores, que se irradia a la ciudad. Esta obra 7000 metros cuadrados forma parte del proyecto “Favela Painting”, un proyecto que apunta a transformar las comunidades en monumentos de inspiración como parte de la imagen de Río de Janeiro, junto a la estatua del Cristo Redentor y la montaña Pan de Azúcar.
Esta obra de arte puede hacer la diferencia en la vida de las personas de la comunidad y la ciudad de Río. “Tiene el potencial de funcionar como un catalizador en los procesos de renovación y el cambio social”, dijo Dre Urhahn, uno de los artistas de “Favela Painting”. La realización de la obra de arte es en gran parte impulsada por los habitantes de Santa Marta. 25 jóvenes de la localidad han recibido formación como pintores, brindando a sus propios ingresos y fueron responsable de convertir su barrio en un monumento de colores. Este método de trabajo de base de ha demostrado tener éxito en proyectos anteriores, y le da a las comunidades un sentido de pertenencia mayor, les da orgullo y permite generar un “color” propio. El equipo local se complementa con tres pintores de otra favela Vila Cruzeiro, donde se habían hecho dos proyectos anteriores.
El proyecto se ha detenido durante las lluvias catastróficas, que afectaron a Río de Janeiro donde murieron cientos y miles quedaron sin hogar. El equipo de pintores se envió a las zonas afectadas para ayudar a limpiar los escombros.
Para conocer más información pueden entrar a la página del proyecto http://www.favelapainting.com/
jueves, 21 de julio de 2011
las rositas tango trio
Las Rositas
mujer
Ubicación: Córdoba : Córdoba : Argentina
Intereses: El grupo compuesto por Cecilia y Gabriela Palma y Ana Belén Disandro, nació en el año 2007 con el objetivo de representar uno de los géneros musicales más característicos de la Argentina. La propuesta de “Las Rositas” en escena es un espectáculo emotivo de alta calidad musical lleno de frescura y fuerza expresiva. La original formación instrumental que consta de viola, violín y piano, ofrece un repertorio con arreglos propios que va desde Gardel a Piazzolla, de la mano de una visión contemporánea sin abandonar su esencia.
martes, 28 de junio de 2011
Entrevista con los Buenos Muchachos.
Esto fue un día de campo con Pedro y Topo, de los Buenos Muchachos, en su feudo de Malvín --barrio de la banda- y en los límites con Punta Gorda, en la Plaza Virgilio, ahí donde Montevideo es Montevideo pero al tiempo cualquier otra. El oscuro mundo de los Buenos fundiéndose en el primer día primaveral del año.
Un paseo de tres horas, resumido en tres videos cortos.
Buenos Muchachos
Reconozco que los Buenos Muchachos me empezaron a gustar mucho después de hacer esta nota. Pero también reconozco que al ser un grupo que no me intersaba no había escuchado, o por lo menos no le había prestado la atención que debía a la banda. Por lo tanto se podría decir que a Buenos Muchachos lo fui digeriendo de a poco, en un proceso de desgustación que me llevó años.
Lo mismo me pasó con esta nota: la leí hace poco después de años de haberla hecho y me parreció más interesante de cuando se publicó en en junio de 2002.
Acá va la nota. Buen Provecho.
Buenos Muchachos
paso a paso
En 1994 dieron a conocer su primer trabajo fonográfico: Nunca fui yo. Cinco años después, el sello Ayuí edita su segundo disco: Aire Rico. Dendritas contra el bicho feo es, hasta el momento, su último CD. Gustavo (guitarrista), dice que para Buenos Muchachos “los pasos van pasando lentamente; el primer disco fue pagado por un amigo, el segundo disco fue pagado por nosotros y editado por Ayuí, y el tercer disco fue pagado por Ultra Pop”, y afirma: “el pasaje está correcto”. De este pasaje y de los diez años de la banda, hablan Gustavo “el Topo” Antuña y Pedro Dalton; dos buenos muchachos.
Hace diez años, cuando empezaron, se los vinculaba con el underground montevideano; ¿ustedes también sé sentían identificados de esta manera?
Gustavo: Si definimos como underground la cosa con poca gente y eso, sí. Si hacemos referencia al estilo de música diferente de lo que supuestamente se concebía en ese momento, entonces al día de hoy seguimos siendo underground. También un poco nos definían... y sí, yo qué sé. Tocábamos en un underground que era Junta Cadáveres.
¿Y cómo eran esas épocas en Junta Cadáveres?
Pedro: Y a pesar de que no era un sótano, era como si fuera un sótano. Era algo muy divertido, lleno de gente... era un lugar a donde vos ibas un martes y había un tipo leyendo poesías; ibas un miércoles y había una obra de teatro; ibas un jueves y veías una banda tocando; ibas un viernes y veías otra banda tocando... era un lugar que podías elegir ir cualquier día de la semana. Si te caía un amigo del extranjero y decías: “vamos a ver algo autóctono”, lo llevabas a Junta Cadáveres porque ahí iba a ver algo que el tipo te decía (pone acento alemán): “pero ni en Alemania hay esto” (risas).
Gustavo: Fauna y flora uruguaya realmente.
Pedro: Lo que tenía de fuerza Junta Cadáveres, era que no había nada y estaba ese boliche. Ahora también está Pacha Mama por ejemplo, pero no tiene tanto peso cultural como Junta Cadáveres; no es porque lo que se presenta ahora no tenga tanto peso cultural, sino porque en esa época no había nada. Sin ellos querer ser el centro cultural de Montevideo -no podés pretender ser un centro cultural con un boliche que lo máximo que te entra son ochenta personas-, sin esas intenciones, era todo tan fresco y tan puro que resultaba que la gente iba a ahí a ver espectáculos, y la gente se colgaba con esos espectáculos, y la gente participaba en esos espectáculos. Por ejemplo: jueves tras jueves la Gorda Ana hacía su obra de teatro que se llamaba A la cama con Ana y todos los jueves iba un invitado distinto; hasta fue Kesman. Hoy en día ver un lugar así es raro. No quiero decir con esto que le ponga un aro de misticismo a Junta Cadáveres, como que fue lo único que hubo, hay y que no va haber más; mentira. Antes, en otras épocas, por el tiempo de los Fattorusos, seguro deberían haber otros lugares. El misticismo se lo da la gente, la prensa obre todo. Esa carga de misticismo se lo meten los demás. Para nosotros fue el primer boliche que antes de tocar nos daba plata para alquilar luces, una bola de espejos, un flash y todo para armar un escenario. Como que confiaban en nosotros.
¿La plata que sacaron de esos toques, fue la que invirtieron en el primes disco?
Gustavo: O sea, la plata que hacíamos, como decía Pedro, eran las veces que cobrábamos o nos daban cerveza; todo bien. Éramos muy novatos en todo eso; tocábamos, pasábamos una noche de novela, nos íbamos con unas cervezas gratis y con unos pesos en el bolsillo. Eso fue en el ´92 y ´93, en el ´94 grabamos el primer disco, que fue gracias a un amigo que se llama Bruno, que se copaba con nuestra música y tenía unos pesitos ahorrados y decidió ponerlos. Pago un estudio, nos metimos los cuatro unos días, grabamos las bases y todo fue pagado por un amigo; productor ejecutivo: Bruno. Eso quedó en la nada... perdón, en la nada no, salió el Nunca fui yo por el sello Pulmón Record, registrado por A.G.A.D.U. Hicimos cien copias a cassette, todo a pulmón, una a una. Grabamos en un Datt –en esa época la Datt casi no existía-, hicimos un CD, que hacer el CD fue una tranza; ahora el pasaje de Datt a CD está a la mano, pero en aquella época nos tuvimos que ir a la casa de un flaco -allá en un pasaje vecinal legísimo-, de ahí fuimos a lo de Pedro, equipo de audio, CD, el pasaje famoso, y cassette: cien. Cien tapitas, fotocopias, arte, dibujos, todo fotocopias; primer disco sale en el ´96. Fue casi dos años que nos llevó hacerlo.
Antes habían participado en la recopilación Criaturas del Pantano ¿no?
Pedro: Sí, una ensalada digamos. Junto a La Hermana Menor, Chicos Eléctricos...
Gustavo: Junta Cadáveres de cierta manera. ¿Qué más?; Neandertal, Cadáveres Ilustres, Trotsky...
Pedro: Y faltaron los Super Sónicos que no sé por qué no pudieron arreglar.
Gustavo: También ahí, de cierta manera, nos conocimos todos.
También participaron en Extrañas Visiones, el disco homenaje a Los Estómagos.
Pedro: Ha pedido nuestro. Nos enteramos que estaban haciendo la ensalada y nos metimos, porque claro, yo laburaba con Los Estómagos. Mis comienzos en el rock no fueron ni con Neandertal ni con Buenos Muchachos, mis comienzos en el rock fueron con Los Estómagos haciendo la tapa del primer disco o trabajando con las luces o la escenografía. Directamente estaba muy conectado musicalmente. Era la banda que a mí me partía la cabeza.
¿Y cómo fue, le dijeron: “queremos participar...”?
Pedro: Nos enteramos que estaban haciendo el disco, y como que había cierta posibilidad de poder participar y dijimos: “¿Qué tema haríamos?”, para proponerle algo a la gente que estaba haciendo la ensalada. Elegimos el tema Cuatro Brujas; lo escuchamos -yo lo tenía re por dentro ese tema-, el Rafa también, el Topo no tanto, Álvaro no tanto; pero lo escuchamos los cuatro y dijimos: “pa’, vale la pena hacer este tema”. Fuimos, hablamos con Andrés Sanabria, le dijimos que queríamos hacer ese tema, y el loco nos dio siete horas para grabarlo.
Gustavo: Se coparon porque era raro el tema elegido... elegimos el que nos copaba, yo qué sé; había cosas buenas para elegir.
Pedro: Cuatro Brujas tenía un buen bajo, tenía una buena estructura oscura como la nuestra en ese momento...
Gustavo: La letra también está buena, de casos reales del I.N.A.M.E.
¿Cuándo empezaron a tocar en Buenos Aires?
Gustavo: Tocamos por primera vez en el ´98, en el Instituto Rojas. Fue así: un año antes nos fuimos con Álvaro a pasear a Buenos Aires; estábamos con medio Aire Rico.
Pedro: Teníamos un CD.
Que era una maqueta del disco ¿no?
Gustavo: Era nada.
Pedro: No, era la grabación de Aire Rico.
Gustavo: Pero eran seis temas nada más, ni siquiera era todo el disco. Grabamos seis temas y los llevamos a Buenos Aires. Hablamos con Gabriel de Chicos Eléctricos, nos dio nombres para contactarnos, llegamos e hicimos onda con gente. Eso nos hizo volver. Conseguimos un toque en el Rojas y en el ´98 tocamos por primera vez. Cuando salimos del toque del Rojas, nos encaró un loco que no sabíamos quién era. Ese tipo es Thomás, que es el loco de una banda Argentina que se llama Dios, y tá, hicimos re-onda con el Thomás, quedamos en contacto, tocamos con Dios, vino Dios a tocar acá... en definitiva fue eso: cruzamos el charco a comprar championes y llevamos el demo. Después cuando volvimos a Montevideo, grabamos el disco, lo editó Ayuí, volvimos a la Argentina con el disco, ahí nos conoció Gustavo Rudy –que es el del sello Ultra Pop-, se copó con nosotros, se copó con el disco y editó el disco en Buenos Aires, y más adelante nos ofreció grabar un tercer disco, que lo grabamos allá en el estudio El Pié. Un estudio pesado.
Vamos por partes. Hasta ese momento solamente tenían seis temas grabados de Aire Rico.
Pedro: Eso fue a finales del ´98. Al principio del ´99, grabamos seis temas más; los seis temas más difíciles. Todo pago de nuestro bolsillo, pero qué pasa, a la vez tocábamos en Perdidos y sacábamos plata; como que el disco se empieza a bancar solo. Todo con la ayuda de Riky Musso, que de repente estábamos ocho horas grabando y le preguntábamos al tipo cuánto habíamos estado y el loco nos decía cuatro horas, y nos cobraba cuatro horas nada más. El tipo se colgaba con nosotros y se dedicó a hacer un buen producto; lo masterizó él y lo armó él con nosotros. Sacámos el Aire Rico y vamos a Ayuí con el disco armado. Hablo por teléfono con Mauricio Ubal, el loco me dice: “Dejámelo escuchar”, yo le digo: “que no, que contestáme mañana si querés editarlo o no, pero el CD no te lo dejo porque es el único que tengo y no te lo pienso dejar”. El loco me dice: “Pará, no me apures, pero déjame una semana”. En siete días lo llamo devuelta. Mauricio Ubal es un tipo que respeta mucho la música porque es músico, obviamente. Y aparte le interesaba lo que hacíamos nosotros; le parecía que era un producto entero y concreto. Entonces en Ayuí pasó por él y por la gente que lo tenía que escuchar, y al final decidieron que lo sacáramos. Nunca estuvo el símbolo de pesos en los ojos, obviamente, pero el tipo lo primero que nos dijo era que lo que a él más le interesaba de sacar nuestro disco era que se lo quería hacer escuchar a otros músicos de su ambiente; consideraba que estaba tan bueno el disco, que no se quería perder la oportunidad de sacar el primer trabajo nuestro. Y ahí salió el disco. De la misma forma que cuando viene Gustavo Rudy y quiere editar el disco en Argentina, Mauricio no puso ninguna traba. Y de la misma forma que cuando Gustavo Rudy nos ofrece contrato para grabar discos con él para Ultra Pop, el tipo lo primero que dice es: “Aprovechen la volada muchachos, porque acá no hay un mango”. No tuvo ningún tipo de recelo, ni de venta de contrato, ni de un carajo. Él como músico quiere que nos vaya bien, y entonces entregó nuestro disco: “Quédense tranquilos, vayan por ahí, ustedes son unos músicos que pasaron por Ayuí y me quedé contento por eso, y ahora que les pinte lo mejor”.
Gustavo: Personalmente tengo terrible orgullo por Ayuí por eso. En realidad el loco nos sacó el disco porque le gustaba lo musical, para mí eso fue fantástico. O sea, fue una coproducción: Buenos Muchachos graba el disco y Ayuí le hace la edición. Que tá, ahora hay máquinas acá en el Uruguay para hacer los CD, pero en esa época no. El disco se hizo, se hicieron quinientas copias y se agotó el Aire Rico. Respecto a Ayuí, lo que quería decir es que de cierta manera es una discográfica que escucha música. Porque fuimos a otras discográficas que están en otra. “¿Cuál es el hit?” nos preguntan. Y yo qué sé, yo traigo un disco y me gustan todos los temas. “Ah, no hay hit, pasen mañana”. Ayuí nunca preguntó eso, escuchó el disco y dijo: “Sí, me gusta”. O sea, después evidentemente uno aprende que hay un hit.
Pedro: Por ejemplo: en el programa Planeta Pop eligieron la canción Cecilia, eligieron ese hit; lo eligieron ellos y me pareció bárbaro. Me preguntaron y les dije que para mí el hit era Sin Hogar, y el loco me dijo: “Pero a mí me gusta Cecilia”, y bueno, jodete, entonces poné Cecilia (risas). Eso es lo bueno. Lo que a nosotros no nos quemó el coco del medio fue que hicimos un disco como el Dendritas, por ejemplo; que es un disco oscuro, que supuestamente no tiene hits o supuestos hits. Pero lo que hicimos fue armar un disco que nosotros queríamos hacerlo así, queríamos esos temas. No hay ningún tema pegadizo como Sin Hogar o Cecilia... bueno, lo siento. Yo compongo así, hago esto y si te gusta bien y si no, no lo saques, te entiendo; vos querés hacer plata, yo quiero hacer música, está todo bien.
Gustavo: Como lo hicimos hace diez años, tenemos las armas para seguir haciendo discos nosotros.
Pedro: Nosotros cuando empezamos a hacer las cosas bien, fue cuando nos dejamos de joder con que queríamos hacer un CD para hacer unos mangos. El día que dijimos: “Vamos a hacerlo para satisfacción propia, para refregármelo por el pecho o pasármelo por el orto, para que cuando tenga un hijo decirle: ´mirá, yo hice un CD´”... el día que hicimos eso, fue cuando nos empezó a ir bien, porque no te fisurás; el tema que te jode en la vida es la fisura.
Gustavo: Los Buenos Muchachos siempre fueron así; cuando empezamos a tocar, nos juntamos porque nos copaba tocar.
Pedro: Cuando hicimos el Nunca fui yo, nosotros queríamos sacarlo en CD. Hasta que vino un amigo y me dice: “Loco, esto suena a pedo. Imaginate que el tipo que te va a sacar el CD quiere guita”. Y yo le digo: “No; es una obra”, metétela en el orto (risas). El tipo que te saca el CD, se gasta cinco mil dólares y quiere por lo menos sacar siete mil. No es que te va a hacer tu CD porque es tu obra. Me cago en tu obra.
Gustavo: Lo genial de eso, es que ahora lo hacemos porque tenemos tres discos. Y de última el tercer disco es así: es una obra. Para mí volvimos al principio y está muy bien. Cuando grabamos el primer disco nunca habíamos estado en un estudio, o sea, aprendés a cómo sonar porque viste quince veces como ponen el micrófono; aprendés a cómo sonar porque hace siete años que tocás y no cuatro, y ahora hace diez que tocamos. Estamos dando los pasos que tenemos que dar para aprender. No sé qué va a pasar con Buenos Muchachos mañana, hasta hoy está buenísimo: tenemos puteadas, nos llevamos bien, nos llevamos mal, nos va bien, nos va mal... yo qué sé, por ahora se auto banca, que eso es genial.
por casi famoso
montevideo portal
martes, 21 de junio de 2011
Eduardo Darnauchans
Tiranos y dictadores, doctores de la picana, maestros de las dolores, no tendrán nunca un mañana... Humillados y ofendidos, ya vamos por nuestro día. Je me souviens. Yo me acuerdo. Cómo olvidar los rituales, los puntapiés, los insultos, mis queridos oficiales. Porque ningún general de cívicos militares será recordado nunca, sólo desprecio y vinagre...
Eduardo Darnauchans
Su infancia y adolescencia transcurrieron al norte del país, primero en Minas de Corrales (departamento de Rivera), y luego en la ciudad de Tacuarembó. Era hijo del médico Pedro E. Darnauchans Brum, a quien le dedica la canción "Pago" grabada en el disco Zurcidor. Recibió una gran influencia de su profesor liceal de Literatura, el poeta Washington Benavides de quien musicalizó varios poemas, entre ellos "El instrumento". En torno a este poeta y docente, integró junto a Carlos Benavidez, Eduardo Larbanois, Hector Numa Moraes y otros jóvenes tacuaremboenses el llamado "Grupo de Tacuarembó". Realizó cursos en las facultades de Medicina y de Humanidades y Ciencias de la Educación de la Universidad de la República, así como en la universidad de La Plata, en Argentina.
En 1971 hizo su debut artístico junto a Leo Antúnez y Opus Alfa, en el ciclo "Los conciertos de La Rosa" realizados en el Teatro Stella D'Italia de Montevideo. A los 18 años registró su primer larga duración titulado "Canción de muchacho", que concitó la atención de colegas y críticos. Su segundo larga duración, titulado "Las Quemas", fue editado en 1975. El álbum "Sansueña", editado en 1978, puede considerarse la obra a través de la cual empezó a ser conocido por los grandes públicos. Mantuvo una vinculación política con la Unión de Juventudes Comunistas (UJC). Entre 1979 y mediados de 1983 Darnauchans fue censurado por la dictadura cívico-militar uruguaya, prohibiéndosele actuar en vivo, aunque sus canciones sí podían ser transmitidas por radio. En 1981 comenzó su relación artísica con el guitarrista y arreglador Bernardo Aguerre, por quien se vería acompañado hasta 1999.
Su cuarto disco, "Zurcidor", se grabó entre mayo y diciembre de 1981. Luego seguirían "Nieblas & Neblinas" (1984), "El Trigo de la Luna" (1989, también disponible en CD), "Noches Blancas" (grabado en vivo en el Teatro Solís los días 7 y 8 de mayo de 1991), "Dylan" (1991), y "Sin perder el tiempo", una antología que reúne 20 años de trayectoria. En 1990 recibió el Premio Municipal de Música Edita por "El Trigo de la Luna".
Darnauchans compuso música para obras de teatro: "Antes de entrar dejen salir" y "Papá querido" para el Teatro de la Comuna, bajo la dirección de Antonio Baldomir en el Teatro del Anglo. En 1990 compuso la música del film "Color de tristecías", dirigido por Pablo Rodríguez y exhibido en Europa, Estados Unidos y Canadá. Tocó junto a Bob Dylan, en el Cilindro Municipal, y junto a Paul Simon en el Estadio Centenario.
Darnauchans en un espectáculo brindado en "Capiloncho" de Ciudad Vieja (Montevideo) el 28 de junio de 2005.
En diciembre de 1993 Editorial Arca editó "Los espejos y los mitos", libro basado en un extenso reportaje por parte del periodista Tabaré Couto junto a un cancionero que recoge parte de su vasta trayectoria. En diciembre de 1995, en el Teatro del Notariado, la cantante Sylvia Meyer presentó el CD "Darnauchans" (un merecido homenaje), que contiene nuevas versiones de los clásicos de Darnauchans. La presentación contó con un espectáculo multidisciplinario denominado "Trastes & Teclas". Sus canciones fueron interpretadas por distintos artistas nacionales, de la talla de Fernando Cabrera, Rubén Olivera y Larbanois - Carrero, entre otros.
Eduardo Darnauchans está considerado uno de los poetas (o songwriter o "zurcidor", como él prefería denominarse) más importantes que tuvo el panorama musical uruguayo. Muchos de sus temas son clásicos de la música uruguaya. Su repertorio incluye -además de textos de su autoría- poemas o canciones de poetas nacionales y extranjeros como, por ejemplo, Washington Benavides, Víctor Cunha, Líber Falco, Eduardo Milán, Federico García Lorca, Nicolás Guillén, Porfirio Barba Jacob, Asunción Silva, Jorge Luis Borges, Antonio Machado, Raúl González Tuñón, Eduardo González Lanuza, Eduardo Bosco, Roque Vallejo, Jorge Manrique, Rubén Darío, Nicanor Parra, Manuel Bandeira, Humberto Megget, Pablo Neruda y César Vallejo.
Pasada la dictadura cívico-militar, Eduardo Darnauchans mantuvo una actitud de compromiso político actuando en conciertos auspiciados por el Partido Comunista Uruguayo, Amnistía Internacional y otros. En febrero de 1991 asistió a un acto público organizado por el SERPAJ-Uruguay, en Montevideo en la Av. 18 de Julio en repudio a la primera Guerra del Golfo. Llevaba su boca amordazada y una guitarra con las cuerdas atadas y atravesadas por tijeras, aunque se le ofreció, declinó cantar ni subir al estrado.
Falleció el 7 de marzo de 2007 debido a un fallo cardíaco, luego de atravesar dificultades de salud y la muerte de su esposa, lo que lo sumió en una profunda depresión.
Canción de muchacho (Sondor 33141. 1973)
Las quemas (Sondor 44014. 1974)
Sansueña (Sondor 44074. 1978)
Zurcidor (Sondor. 44118 1980)
Nieblas & neblinas (1984)
El trigo de la luna (1989)
Sin perder el tiempo (1991)
Noches blancas (1992)
Entre el micrófono y la penumbra (en vivo, con la producción de Fernando Cabrera. 2001)
Raras & casuales (2003)
Canciones sefaradíes (en vivo. 2004)
El ángel azul (2006)
Ámbitos (grabado junto a Fernando Cabrera en el Teatro Solís en 1991. Ayuí / Tacuabé ae330cd. 2008)
Nosotros Tres (grabado junto a Jorge Galemire y Eduardo Rivero en el espectáculo de mismo nombre en 1976. Ayuí / Tacuabé ae350cd. 2010)
jueves, 2 de junio de 2011
La Fotografía: El Espejo del Jazz
El jazz nació con el siglo XX. La invención de la cámara fotográfica es muy anterior. La primera fotografía de la historia nació un siglo antes, cuando en 1827, Niépce, fotografió con una rudimentaria cámara oscura unos edificios frente a su domicilio usando una placa de peltre recubierta de asfalto y exponiéndola a la luz durante ocho horas. Pero su utilización pública y masiva todavía tardaría. A principios del siglo XX, la cámara fotográfica empezaba a ser usada profesionalmente en actos, documentos y actividades publicas. Era 1888 cuando salió la primera "Kodac" y dos años mas tarde saldría la "Browniw" una cámara que cambió la vida para el ser humano. Por primera vez, la fotografía salía del gheto y el gran público aprendía a usarla.
Y el jazz era un objetivo lúdico para un invento que necesitaba demostrar su utilidad. Desde prácticamente los comienzos de los sonidos negros del Mississippi, la fotografía y el blues, la fotografía y el jazz, se unieron en un indisoluble y afortunado matrimonio. Grandes momentos de esta música han sido plasmados, negro sobre blanco, en una experiencia visual absolutamente maravillosa.
El jazz y la fotografía siempre han tenido una relación afectuosa. Y de ello trata esta sección de Apoloybaco; de acercar al visitante los momentos estelares de esa fusión; de conocer quienes son aquellos que han conseguido llevar al negativo el instante supremo de un músico en su manifestación artística, de captar el ambiente de un club de jazz sólo a base de una bocanada de humo esparcida en el aire, de sentir la música solo fotografiando las manos de un pianista, o el sudor de un músico volcado en su contrabajo.
El jazz y la fotografía han recorrido juntos mas de cien años de vida. Sus creadores, músicos y fotógrafos nos han dejado un legado cultural que forma parte de nuestras vidas. A ellos y a ellas, instrumentistas, cantantes, fotógrafos anónimos, profesionales de la información y aficionados al jazz, va dedicada este rincón de Apoloybaco.
2011 Apoloybaco
jueves, 12 de mayo de 2011
Karen Souza
La voz de Karen Souza parece estar hecha a medida para el jazz, sin embargo, su carrera comenzó con varios seudónimos colaborando como soporte vocal para varios productores de música electrónica, llegando a formar parte de numerosos hits internacionales de música House, en discos de la talla de Pacha Ibiza, FTV (FashionTV), Paris Dernier, Hotel Costes, y Privé, solo por nombrar algunos.
Karen comienza a coquetear con el jazz cuando la contactan para participar en el primer disco de la saga Jazz and 80¨s. Nadie imaginaría por ese entonces el éxito que tendría esta serie de la noche a la mañana. Su productor reconoció en Karen a alguien hecho a medida para este proyecto, compartió rápidamente su entusiasmo, haciendo de Karen Souza y su especial el alma de cada álbum.
En 2009, su compañia discográfica decide que era el momento de realizar una gira de Karen Souza por Brasil. La gira es un éxito rotundo y Karen se convierte en una perfecta intérprete, ganando confianza y, más aún, perfeccionando su canto. Con el tour aún en marcha, el sello repara nuevamente en ella y le propone a focalizarse en su nuevo material. A tales efectos la envían a Los Ángeles por unos meses para trabajar y aprender de algunos de los más grandes compositores del momento, Pam Oland (www.pamoland.com), compositora nominada a múltiples premios Grammy, quien trabajó con artistas de la talla de Whitney Houston, Earth, Wind and Fire y Aretha Franklin, entre otros. Karen vuelve renovada y con una nueva dirección en sus propias composiciones, esto la ayuda a desarrollar su sello personal y destaca aún más su suntuosa y única voz.
Luego de su estadía en Los Angeles, Karen comienza a dedicarse pura y exclusivamente a ensayar nuevo y antiguo material con la banda, llegando a un nivel de simbiosis que es un verdadero placer presenciar. Karen Souza, es algo sublime y digno de ser visto, pleno de excelentes versiones de jazz y flamante material como intérprete solista… con una vocalista realmente dinámica… con una carrera brillante que apenas ha comenzado.
Blog creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.
Publicado por Hugo Santaromita
jueves, 14 de abril de 2011
howlin wolf
Chester Arthur Burnett (White Station,10 de junio de 1910 - Hines, 10 de enero de 1976), conocido como Howlin' Wolf (Lobo Aullador) fue un músico afroamericano, cantante de blues, guitarrista y armonicista.
Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, "nadie puede igualar a Howlin 'Wolf en su singular capacidad para el rock."[1]
Con sus 1,98 m de estatura y cerca de 136 kg de peso, fue una figura imponente con una de las voces más memorables entre todos los cantantes de blues "clásicos" en el Chicago de los años 50. Su voz ha sido comparada con "el sonido de las máquinas pesadas que operan en un camino de grava". Junto con su contemporáneo y rival profesional Muddy Waters, formaron los dos pilares del Chicago blues.
Biografía
Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque siempre mantuvo sus raíces. Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano.
Carrera
En 1948 formó una banda que incluía guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el armonicista Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el batería Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en radio en West Memphis, Arkansas.
Su álbum de 1962 Rockin' Chair Album es uno de los más famosos discos de blues, conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. Este álbum contenía "Wang Dang Doodle," "Goin' Down Slow," "Spoonful" y "The Red Rooster", canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas enamoradas de los blues de Chicago. En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones.
Wolf dio varios conciertos en Chicago en 1972, grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin' y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf. Tuvo especial resonancia su álbum London Sessions, grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin.
El inimitable estilo abrasivo de Howlin' Wolf ha imposibilitado cualquier imitación. Dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre "Smokestack Lightning") confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable.
El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin' Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin' Wolf, "Killing floor". Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin' Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril "Spoonful", y también los californianos Grateful Dead legaron una recordada recreación de "Sittin' on the top of the world". Los Doors versionaron "Back door Man" y los Rolling Stones tuvieron unos de sus hits más tempranos con la inefable "Little red rooster". El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin' Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como "The Graveyard Train" entre otras.
Howlin' Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.
lunes, 4 de abril de 2011
thelonious monk
(Thelonious Sphere Monk; Rock Mounty, 1920 - Weehawken, 1982) Pianista y compositor de jazz estadounidense. Personaje genial y enigmático, Thelonious Monk está considerado como uno de los músicos más influyentes de la historia del jazz después de la II Guerra Mundial. El director cinematográfico Charlotte Zwerin ha realizado una película sobre la biografía de este músico titulada Straight no Chaser (1989), la cual constituye un documento sonoro de la vida y obra de este genio singular, considerado junto a Charlie Parker y Dizzy Gillespie como el tercer pionero del be•bop. Su interés por descubrir nuevas armonías, ritmos y estructuras lo convirtió en un creador fundamental del jazz moderno.
En 1924 se trasladó a Nueva York junto a su familia. A los once años ya recibía clases de piano, instrumento con el que acabaría acompañando a su madre, testigo de Jehová, en una iglesia bautista, en la que a veces tocaba también el órgano. Tras unos inicios balbuceantes, su primer éxito le llegó al llevarse el primer de premio de un concurso para aficionados celebrado en el Apolo, uno de los templos de baile más importantes de Nueva York. Esto le llevó de gira con una cantante de gospel por todo el país, pero el azar quiso que en un intervalo de la gira Thelonious conociera a Mary Lou Williams, que se fijó en el ya peculiar estilo de este pianista.
Entre los años 1937 y 1939 estudió en la prestigiosa escuela Juilliard School. Su primer encuentro con el jazz lo firmó con el trío del batería Keg Purnell. De aquí pasó a unirse en sociedad musical con Kenny Clarke, que pronto sería una de las instituciones del jazz norteamericano. Junto a este genial batería, Monk actuó tanto en el Milton’s (un club en el que se celebraban divertidas jam sessions) como en el Kelly’s Stables entre 1940 y 1942, años que vieron cómo dos de los grandes genios del jazz e inductores del bebop -Charlie Parker y Dizzy Gillespie- acaparaban toda la atención crítica. De todas formas, la carrera de este singular pianista se disparó cuando conoció personalmente a Bud Powell, con quien llegó a establecer una gran amistad. Era la época en la que participaba en el proyecto del batería Lucky Millinder, estrella del jazz de principios de los años 40.
Hacia 1944, Monk se asoció con Coleman Hawkins, con el que grabó como sideman sus primeros vinilos; Hawkins fue de hecho uno de los primeros en descubrir el enorme talento que albergaba este pianista. Quedan hoy vestigios de algunas grabaciones de Monk tomadas por Jerry Newman en el Milton’s, hacia el mes de mayo, en las que interpretaba temas como “Stompin’ At The Savoy”, que popularizara el gran Gene Krupa.
A lo largo de estos años, Monk actuó igualmente con algunos músicos de cierto renombre como Cootie Williams (1944) o el saxofonista Skippy Williams (1946), aunque fue su participación en la big band de Dizzy Gillespie -a quien conoció en la orquesta de Lucky Millinder hacia 1942- lo que le dio cierta proyección y fama. Debe señalarse que el peculiar estilo de Monk no tenía mucho que ver con el bebop que nacía en aquellos años de la mano de Gillespie y Parker. La “revolución Monk” llegó más bien en los años cincuenta, pero no estuvo implicado en la revolución de los primeros boppers.
1947 fue su gran año, en el que por fin consiguió grabar con su nombre. Para ello utilizó la fórmula del trío, con la que desarrolló la mayor parte de su carrera artística. La casa de discos era Blue Note, uno de los sellos más representativos del mundo del jazz. En esta casa de discos grabó entre 1947 y 1952 toda su producción propia, además de colaborar con insignes figuras como Art Blakey, Milt Jackson, Lucky Thomson o Kenny Dorham.
El primer gran período compositivo de este genio se consolidó entre 1947 y 1951. Grabó piezas ya memorables, pronto convertidas en standars, como “Off Minor”, “I Mean You”, “Evidence” o “Straight No Chaser”, incluidas todas en el álbum Thelonious Monk, The Complete Genius; o bien otras similares como “Well You Needn’t”, “Monk’s Mood” o el famosísimo “Round Midnight”, piezas grabadas todas ellas durante 1947 e incluidas en su vinilo Thelonious Monk. Genius of Modern Music. Volume 1, bien en trío (con Gene Ramey, piano; y Art Blakey, batería), bien en quinteto.
No obstante, es bien sabido que el peculiar estilo de Monk no era aceptado de buena gana por todos los críticos y músicos. Su genialidad pagaba el tributo del ostracismo de quienes no querían ver la revolución que llevaba a cabo. Un estilo enigmático y siniestro -a la altura de su proyección como persona-, lleno de oscuridad, pero siempre dando cuenta de un talento por encima de su época. Tampoco los managers tomaban muy en serio al músico, que quedó postergado y alejado de los grandes circuitos del jazz, en los cuales sólo participó muy de vez en cuando. Una de estas participaciones tuvo lugar en el Salón du jazz, gracias a la colaboración de la baronesa Nica de Koenigswarter, en París, donde dejó perplejo a gran parte de la crítica que ni le negó ni le aplaudió sus genialidades musicales.
De cualquier forma, es posible advertir que Monk vivía ajeno a todos estos factores, hermético, encerrado en su peculiar mundo y grabando una cantidad ingente de discos. Su fama, entonces, alejada del punto acrítico de los periodistas del jazz, pronto fue creciendo a costa las estrellas del jazz del momento, que no perdían ocasión para ver en directo al pianista o colaborar con sus grupos.
Uno de éstos fue ni más ni menos que Miles Davis, quien lo invitó a participar en varios de sus discos, sabedor del genio que destilaba Monk en las grabaciones. Así, el 24 de diciembre de 1954, Monk grabó con Miles temas como “Bag’s Groove” o “The Man I Love” (editados en Prestige en dos discos: Bag’s Groove y Miles Davis and The Modern Jazz Giants), pero poco más. No hubo mucha química entre ambos personajes e, incluso, se llegó a comentar que existió un leve conato de pelea entre los dos músicos al negarse el trompeta a que Monk participara en uno de sus solos.
Al margen de su colaboración con Miles, Thelonious tocó con Sonny Rollins, a quien hizo participar en algunos vinilos, y, sobre todo, con John Coltrane, cuya amistad dio lugar a una de las uniones más representativas de la historia del jazz. Coltrane, nunca ajeno a las grandes vanguardias del jazz, supo asumir el genio de Monk y participó en algunos de sus álbumes más carismáticos y en algunos conciertos memorables. Uno de ellos fue el grabado en The Five Spot Café, en Nueva York, en el verano de 1957, junto al trío de Monk (Ahmed Abdul-Mailk , bajo; y Roy Haynes, batería). El saxofonista quedó rápidamente impregnado del genio de Monk y se enroló en una gira de seis meses con su trío (Wilbur Ware, contrabajo; y Shadow Wilson, batería). La importancia que tuvo este grupo permite compararlo con otras célebres uniones, como la que existió entre Gillespie y Parker.
Después llegaron otros conciertos memorables, como el ofrecido en el Village Vanguard, en 1958; o el celebrado en Town Hall. En el primero le acompañó Johnny Griffin, saxofonista que sustituyó a Coltrane. En el segundo, una orquesta integrada por Charles Rouse, otro saxofonista ya habitual en las formaciones de Monk y que complementaba perfectamente al genio. En esta última orquesta, además, se encontraban otros grandes de la época: los saxos Phil Woods, Pepper Adams, el trompeta Donal Byrd, el contrabajista Sam Jones o el batería Art Davis.
En los años sesenta, Monk era toda una celebridad. Su estilo, en una época en que el free ganaba adeptos, se templó y ganó en solvencia interpretativa. En 1963 fue incluido dentro de una orquesta que actuaría en el Philarmonic Hall, en tanto que recorría Europa con su “cuarteto”, en el que participaban, además del mencionado Rouse, el contrabajista Larry Gales y el batería Johnny Ore. También fue notoria su participación en el trío de Bud Powell cuando éste estaba a punto de fallecer. Precisamente, en 1951 fue arrestado junto a este genial pianista por consumir estupefacientes; entonces fue apaleado y se le retiró el carnet para poder tocar en clubes de Nueva York hasta 1957.
La fama de Monk se hizo incuestionable -la revista Time, por ejemplo, le dedicó una portada por aquel entonces-, aunque su estilo nunca logró convencer a todos por igual. Sus conciertos, no obstante, le llevaron a visitar todo el mundo: Europa, Japón, África incluso, siempre acompañado de su inseparable Charles Rouse, que tocó junto al genio hasta 1970. En la década de los años setenta sustituyó a Rouse por otros saxofonistas: primero, por Pat Patrick, y después, por Paul Jeffrey. En 1972 se celebró una reunión en la que participaron varios grandes nombres del mundo del jazz; el evento se denominó The Giants of Jazz, y en la formación se encontraban Dizzy Gillespie (trompeta), Sonny Stitt (saxo), Kai Wilding (trombón) y Art Blakey (batería). La banda así formada inició una gira por todos los continentes y llegó a tocar en el Festival de Newport, en ese mismo año de 1972.
La salud del genio era ya, por aquel entonces, precaria; por ello, sus actuaciones fueron drásticamente reducidas y se limitaron a alguna intervención esporádica. Una de ellas fue la ofrecida en Nueva York, hacia 1975, en la que presentó a su hijo Thelonious Monk Jr. a la batería. Hacía tiempo que Monk ya no era un personaje público y que se refugiaba en un incomprensible mutismo, de cual salió para morir en Nueva Yersey en 1982, año en que la noticia de su muerte dejó consternado al mundo del jazz.
Thelonious Monk puede ser considerado como uno de los revolucionarios y genios de la música jazz de después de la II Guerra Mundial. Hombre enigmático, difícil de tratar y de entender -a menudo pronunciaba sólo palabras ininteligibles-, creó un estilo que impresionó a la mayoría de los músicos de su época. Sin embargo, lo que destilaba su estilo eran ideas habitualmente difíciles de digerir y más difíciles de copiar.
Intérprete genial, aunque también oscuro, llenaba sus improvisaciones de inteligentes chispazos muy por encima del estilo dominante en su tiempo. Escuchar dos acordes consecutivos de Monk daba indicio de que algo se estaba produciendo en el escenario, ya que normalmente ejecutaba notas y acordes según patrones muy poco académicos. Sus blues están distorsionados de manera consciente, a pesar de que se trata de un modelo de canción muy clásico. La disonancia, pues, se convierte en seña de identidad en las improvisaciones de este músico.
Su obra como compositor es tan relevante como la que llevó a cabo como intérprete. Suyas son piezas que desde que las compusiera se han conformado como inexcusables obras maestras. “Round Midnight” -una de las altas expresiones de la música jazz-, “Off Minor”, “Trinkle Tinkle”, “I Mean You”, “Epistrophy”, “Well You Needn´t“, “Straight No Chaser”, “Blue Monk” o “Evidence” son composiciones de gran originalidad, muy al margen de otras obras maestras del género y que revelan a uno de los más grandes compositores del siglo XX. Thelonious fue un visionario, un personaje único y un músico irrepetible. Su vida puede resumirse en una frase pronunciada por él al final de su vida: I’m famous. Ain’t that a bitch, que viene a decir algo así como 'soy famoso, pero no más que una perra'.
miércoles, 23 de marzo de 2011
o rappa
O Rappa es una banda de Brasil conocida por sus letras de fuerte impacto social. Ellos combinan muchos estilos principalmente Reggae y rock, la banda también incorpora elementos de samba, funk, hip-hop, rap y MPB. Entre sus mayores éxitos están: "Pescador de Ilusiones", del ex-baterista Marcelo Yuka, del álbum Rappa Mundi y nuevamente en el Acústico MTV del 2006, con la misma popularidad la canción: "Me Deixa", también de Marcelo Yuka.
En 1993, con la llegada del cantante reggae jamaiquino Papa Winnie a Brasil, se formo una banda para acompañar al cantante en sus presentaciones. Formada por Nelson Meirelles, en esa época productor de Cidade Negra y de varios programas de radio alternativas de Rio de Janeiro; Marcelo Lobato, que estaba en la banda África Gumbe; Alexandre Menezes, que ya había tocado con grupos africanos en la noche de Paris y Marcelo Yuka que tocaba en el grupo KMD-5. Después de una serie de presentaciones como banda de apoyo jamaiquina, los cuatro deciden continuar juntos y ponen un anuncio en el periódico O Globo buscando un vocalista. De una larga lista de candidatos, Marcelo Falcão fue elegido.
La decisión sobre el nombre de la banda, manejo opciones como "Cão-careca" y "Bate-Macumba". El nombre escogido - O Rappa - viene de "Os Rapas", como se llama popularmente a los policías que interceptan a los camellos. Con una p más para diferenciar. Finalmente, con Falcão en la voz, Marcelo Yuka en la bateria, Menezes en la guitarra, Nelson Meireles en el contra-bajo y Marcelo Lobato en el teclado, fue formado O Rappa.
En 1994, ellos lanzaron su primer disco que llevo el nombre de la banda. O Rappa no obtuvo mucho éxito y fue el único disco con la presencia de Nelson Meireles, que abandono la banda por motivos personales. Con la salida de Meireles, Lauro Farias, que tocaba con Yuka en KMD-5, asumió el bajo.
En 1996, fue lanzado el CD Rappa Mundi, que prácticamente introducía a la banda en el centenario nacional y la mayoría de sus canciones fueron éxitos. Entre ellas, Pescador de Ilusiones, A Feira y una versión brasilera para el éxito de Jimi Hendrix, Hey Joe.
En 1999, se hace público Lado B Lado A. Con letras mas fuertes que el anterior, muestra la madures de la banda y a Yuka como letrista de alto nivel con canciones como Minha Alma(la paz que no quiero), O que sobrou do céu y Tribunal de Rua, que narra la historia basada en un hecho real. Los primeros video clips fueron premiadisimos ganando muchos MTV Brasil Vídeo Music Awards.
En 2000, causo conmoción pública e indignación entre diversas bandas, el hecho que en el Rock en Rio del año siguiente, la banda seria colocada antes de algunos americanos, ellos protestaron por ser tratados con exclusión, y 5 bandas brasileras salieron del festival en protesta (Skank, Raimundos, Jota Quest, Cidade Negra y Charlie Brown Jr.).
En 2001, el baterista Marcelo Yuka fue victima de la violencia urbana, al ser baleado en una tentariva de asalto, quedando parapléjico e imposibilitado de tocar la batería, Lobato asumio el instrumento. En el mismo año lanzaron el disco Instinto Colectivo en vivo, con un show gravado en 2000, con Yuka en la bateria y tres canciones inéditas de su autoria.
En 2003, O Silêncio Q Precede O Esporro, primer álbum sin Yuka fue lanzado. Marcos Lobato, tecladista colaborador se volvió el principal compositor, con la autoría de diversas canciones exitosas como Reza Vela y Rodo Cotidiano.
En 2005, aceptando la invitación de MTV Brasil, la banda grabó un acústico especial MTV con la participación de Maria Rita en "O que sobrou do céu" y "Rodo Cotidiano" y Siba de Mestre Ambrózio.
En 2008, ellos lanzan el álbum 7 Vezes.
Integrantes
Miembros actuales
- Marcelo Falcão - vocalista
- Alexandre Menezes (Xandão) - guitarra
- Lauro Farias - bajo
- Marcelo Lobato - bateria y teclados
Ex-miembros
- Nelson Meirelles - bajo (hasta 1996)
- Marcelo Yuka - bateria (hasta 2001)
Discografía
Estudio
-
- 1994 - O Rappa
- 1996 - Rappa Mundi
- 1999 - Lado B Lado A
- 2003 - O Silêncio Q Precede O Esporro
- 2008 - 7 Vezes
En Vivo
-
- 2001 - Instinto Coletivo Ao Vivo
- 2005 - Acústico MTV
lunes, 31 de enero de 2011
martes, 25 de enero de 2011
Dossier Street Art
Producción periodística, texto y fotos por Gabriel Peveroni
1. Introducción _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _
STREET ART MONTEVIDEANO
Técnicas, estilos y artistas urbanos entre los años 2004 y 2008
Hay ganas de pintar la ciudad. Siempre. Mutarla. Redefinirla. Tomarla por asalto. Vivirla como una aventura. Inventarle leyendas. Viajes gráficos. Pongo mi marca. Transformo. No publicidad. No señales tóxicas. Mensajes. Anónimos. O no. Autorreferenciales. O no. Los muros de Obes. Los de Kncer. Plazas. Callejones. Paredes de cementerios. Stencileros. Malacate. Old City. Santa Cruz. Políticos. O no. Mundos privados. O no. La Ronda. Living. El muro de Pratto. Tantos otros. Fotolog. El muro virtual. Especial para stickers. Ponys. Big Lala. Little Cacho. Graff. Stickers. Stencils. Crew. Tags. Marcas. Señales. Rostros. Firmas. Es arte urbano. Sin subtes. Sin trenes. Pero con colores. De una nueva generación que está cambiando la ciudad. Montevideo despierta con nuevas pieles.
Dice Big Lala: “Partimos de una reflexión crítica respecto a ciertos prácticas invasivas que se encuentran normalizadas actualmente, utilizando los mismos mecanismos que la publicidad”.
Dice Obes, siempre al servicio de la contaminación: “El graffiti se propaga a través del mundo como una serpiente que se muerde la cola. De origen desconocido, siempre estuvo allí. Tag, graffiti, street art, vandalismo, stencil, no importa el nombre o la técnica… todos intentan ocupar el espacio público con creatividad y transgresión. Sí, es casi siempre ilegal, ¿y qué? ¿Nunca escuchaste el concepto de desobediencia civil?”.
Dice Bansky: “Imagino una ciudad donde el graffiti no sea ilegal, una ciudad donde todos puedan dibujar donde quieran. Donde todas las calles estén cubiertas de millones de colores o de pequeñas frases. Donde esperar el ómnibus nunca sea aburrido. Una ciudad como una gran fiesta donde todos estén invitados, no sólo los agentes del gobierno y los barones de las multinacionales”.
2. Técnicas _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _
STICKERS
La técnica es bien sencilla y permite la repetición de diseños por medios de fotocopiadora o impresiones de diversa calidad. Los principales colectivos y artistas que trabajan esta técnica en Montevideo son Big Lala y Alfalfa, pero también lo utilizan firmas como Golfo de Mar, Little Cacho, Seitán y otros artistas. Entre los ejemplos más novedosos se encuentran stickers de gran tamaño y con colores fuertes.
STENCIL
Desde los primeros trabajos de Purple Dog Crew a principios de la década, se vuelve una técnica muy popular entre artistas que buscan un modo de expresión rápido y muy dúctil. Colectivos y artistas como Stencileame, Old City Stencil, Kowalsky, Stuecel, The Flashy y Sabelo Stencil juegan en una línea más figurativa, pop y urbana. También hay muy buenos ejemplos de humor político y de alta carga irónica.
GRAFFITIS
Murales, graffitis, piezas… varias son las formas de nombrar a los trabajos más elaborados y que se empezaron a ver en Montevideo a mediados de los años 90 a partir del trabajos de grupos pioneros entre los que se cuenta Fun You Stupid. La influencia del hiphop y la evolución de un par de generaciones de graffiteros se consolida en el oeste de la ciudad alrededor de la crew Kncr. En los últimos años aparecen otros colectivos y artistas que prueban otras variantes de street art.
TAGS
La firma de un graffitero es una especialidad en sí misma. El camino suele ser siempre el mismo: primero el bombing vandálico con aerosol, hasta tomar la mano y poder tomar caminos más complejos de tags con diferentes colores y estilos como el 3D o el freestyle. Paredes, muros, volquetas, cajas de Ute, chapas, cortinas metálicas, señales de tránsito, todos los espacios públicos son tomados por quienes manejan esta técnica, considerada la escuela de todo graffitero.
PINTADAS
El tradicional graffiti, el que se vale de un aerosol y una frase para comunicar una idea, una consigna o un simple disparate, sigue teniendo su legión de seguidores. Fuera del activismo político que se sigue valiéndose esta herramienta, y de una importante corriente ligada a las hinchadas de equipos de fútbol, la mayoría de quienes la utilizan como camino de expresión personal lo hace de forma anónima y errática.
3. Artistas_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _
BIG LALA
El personaje big-lala es una versión callejera del panóptico orwelliano. Habitante de la ciudad de Montevideo, el sticker creado por dos jóvenes artistas uruguayas –Eugenia y Agustina- se ha convertido en uno de los iconos del street art local. “Pegar cada sticker lleva muy poco tiempo, y se puede hacer la repetición de forma masiva, además de que el papel es removible. La técnica es eficiente y eficaz, por lo tanto muy productiva”, explican las artistas, quienes definen a su obra como estrictamente montevideana: “La obra tiene sentido en el contexto de nuestra ciudad. Intervenimos lugares como el Cabildo, el Blanes, el monumento al Papa”.
www.biglala.blogspot.com
KNCR CREW
Min, AS1 y Raf son tres graffiteros históricos de la principal crew de la zona oeste de la ciudad, que sigue activa desde sus primeras acciones en el año 2001. Los graffitis y tags de Kncr en el Cerro, La Teja, Paso Molino y Capurro han consolidado a un colectivo cuyo sello de identidad son grandes murales y una estética cercana a la del hiphop. “No hay nadie que te enseñe… se aprende en la calle, practicando: cuando más pintás, mejor lo hacés. La técnica del aerosol es una técnica como cualquier otra”, cuenta Min. Otros graffiteros como Poshy, Deep, Mosh, Cero y el belga Obes han pintado junto con Kncr en diversas oportunidades. Los murales de Kncr pueden verse en casi todos los barrios de Montevideo. “Tratamos de estar en cada barrio; el plan actual del grupo es hacer un barrio diferente por semana”.
MIN
Integrante del colectivo Kncr, destaca como una de las más singulares firmas del graffiti montevideano. Verónica firma como Min y su elaborado tag fue publicado por diferentes publicaciones internacionales dedicadas al street art. Siente que dedicarse al graff es vivir en una utopía. Un mensaje personal: “Esto no es un juego”. Autodefinición: “Siempre trato de pintar en los lugares por donde paso… porque ver algo pintado como cambia un poco la vida, te levanta…” www.fotolog.com/min8
AS1
Empezó a pintar en el liceo y ahora que tiene más de 10 años en la calle es consciente de ser uno de los pioneros del graff en Montevideo y fundador de Kncr. Sus estilos favoritos son el wildstyle y el 3D, y prefiere pintar sobre metal que en muros. Una frase: “Cuando empezamos lo importante era salir del Cerro; el hecho de cruzar el puente era algo raro. Y así empezamos a rayar, a taguear afuera, para hacernos conocidos. Y dijimos: “vamos a tomar la ciudad”… para que no fuese una cosa sólo del barrio”.
RAF POSHY MOSH DEEP
Las firmas de cada graffitero de la crew Kncr tiene un sello personal que la distingue. Raf prefiere el 3D y en sus últimos trabajos pintadas figurativas. Poshy trabaja el tag en altura y con alto riesgo además de sus trabajos murales. Deep y Mosh desarrollan un estilo derivado el bombing. Un mensaje de Raf: “Basta de pintadas políticas que ensucian y te pudren la cabeza”.
PURPLE DOG CREW
El grupo pionero en stencil en Montevideo actuó principalmente en el Centro, Palermo, Cordón y Parque Rodó en los primeros años de la década del 2000, hasta que uno de sus fundadores -El Bestia- emigró a España. Chucky y María Calvario siguen trabajando la técnica, desarrollando una concepción muralista que mantiene la identidad creativa de PDC. “Hay que confiar en nosotros y dejar de copiar estilos que triunfaron afuera”, afirma Calvario. “Tenemos mucha creatividad y originalidad y creo deberíamos aprovecharla, así como a la cantidad de muros que aún están vacíos. La movida está creciendo pero todavía no es entendida de la manera que a mí me gustaría”.
www.purpledogcrew.blogspot.com
MARÍA CALVARIO
María Calvario –ex integrante de PDC- comenzó experimentando con la técnica del stencil. En su última etapa, en solitario o pintando con colegas como Fran, De la Virgen, Bolivianimal, Milie, Fiolence y Dier, estampa en muros y paredes coloridas frases que se basan en el mensaje, la tipografía y el impacto visual. La intención es clara y sencilla: el amor como motor de una revolución mental y espiritual. Luz, color y amor son sus premisas para este camino. “Mi intención es poder liberarme de la placa y en eso estoy… Me gusta dejar frases que siento y creo que es un bonito regalo a la nada, y como yo veo a la nada como al todo, me entrego, y ahí las dejo, quizá a alguien las motiven como a mí cuando las pinto”, dice la artista callejera.
www.calvario.tk
MALACATE
Es el nombre de una banda de rock de Montevideo, pero también es la firma en las paredes de su baterista –Juan Chao- uno de los pioneros del stencil como integrante de la crew PDC. “Me atrae la idea de aplicar el stencil a todo y de utilizar cosas que nadie quiere o desprecia. Utilizar la basura… lo que la gente detesta, para hacer algo bonito y que se puedan mirar las cosas de otra manera”, dice Chao. Entre sus últimas acciones como stencilero destaca la utilización de afiches caseros gigantes para publicitar conciertos de su banda.
www.abchukyxz.blogspot.com
ALFALFA
Nicolás Sánchez es un joven artista uruguayo-venezolano que empezó a trabajar en la calle utilizando marcadores para desarrollar una estética muy personal en la que mixtura una iconografía mística con los cronopios cortazarianos. De figuras simples y stickers pasó a trabajar coloridos y sofisticados murales. Es uno de los graffiteros más activos en el periodo 2007-2009. Suele firmar con dos letras alfa griega superpuestas y un ojo dentro de una pirámide.
ALFALFA MARCADOR
Antes de destacar como muralista, Alfalfa realizó una prolífica obra de pequeñas figuras con marcador azul, siguiendo un circuito geográfico enmarcado en las paredes de las calles Constituyente, Hugo Pratto y adyacentes. Decenas de personajes que refieren a la narrativa de Julio Cortazar se fueron mezclando con una simbología que reinterpreta iconos de diferentes culturas y tradiciones de Occidente y Oriente. Muchos de los personajes de Alfalfa confluyen en el mural que realizó en la pared de Fábrica del Gas, en la Rambla, donde construyó un original arca de Noé, y en una serie de stickers que pegó en el callejón de Pratto.
E.S.
E.S. son las iniciales de uno de los artistas montevideanos más potentes y anárquicos de la escena del street art. Trabaja en tonos blancos y negros: cal y alquitrán. La mezcla es potente y radical, marca de fábrica de un artista a contrapelo de las reglas y ritos de las técnicas más comunes del arte callejero, y que utiliza las paredes como lienzo para desarrollar series de figuras expresionistas. A sus pesadillescos perros de alquitrán se suman esporádicas intervenciones sobre afiches publicitarios. Sus obras se encuentran en la zona sur y centro de Montevideo.
OBES
La estadía durante de un año del artista belga Obes, en el verano de 2005, dejó un legado que hizo escuela en la mayor parte de los artistas montevideanos actuales. Los rostros ligeramente naif, los caballos impresionistas y varios de los más de cien murales que pintó Obes con sus amigos de Kncr siguen presentes en la calle. “Obes soy yo. Un graffiti, muchos graffitis. Es el nombre que me di para descubrirme. Vengo de Polonia, Rusia, Bélgica, Francia, Canadá, Inglaterra, Uruguay… y como todos, de África. Vengo del reencuentro del campo con la ciudad. Vengo de una familia de peregrinos y de artistas. Vengo de donde me voy y de más lejos”, dice el artista nacido en Bruselas. Estuvo en Montevideo por una historia de amor, y terminó enamorándose de la ciudad, especialmente por su permisividad: “Es una ciudad compleja, diversa, única… ¡muy Kncer!”.
STENCILEAME
Carolina y Fiorella fundaron el grupo Stencileame y han recorrido un largo camino en el stencil en los últimos cinco años, desde sus primeras salidas en el año 2004. Activas en la zona sur de la Ciudad, mantienen una impronta decididamente pop en sus diseños. Incursionan también en el estampado de ropa y decoración de tiendas y espacios públicos. “Creemos que tienen más valor los stencils pequeños con muchos detalles que los grandes y ostentosos. Basamos nuestros diseños en cosas que nos interesan o simplemente nos gustan, sin darle demasiada vuelta. Nos sentimos fuertemente influenciadas por la cultura pop, y por el impacto directo que tiene”.
www.stencileame.blogspot.com
www.flickr.com/photos/stencileame
MITÁ I CALLEPEGUA
Toda intervención urbana es un acto político. Eso es lo que afirma y subraya este colectivo de artistas activo desde el año 2007, que utiliza distintas técnicas para generar reacciones y provocar a los habitantes de la ciudad. Desde el stencil en grandes dimensiones hasta la creación de una “infección” con stickers que interpele a la publicidad política, las acciones de Mitá i Callepegua suelen ser sorpresivas y de alto efecto público. “La idea es generar una reacción ante todo eso que poluciona una ciudad que a nivel de imágenes ya está bastante contaminada”, define Sergio, uno de los miembros fundadores del grupo.
BRUSTER SPECIAL
Martín Albornoz es el creador de la firma callejera Bruster, con la que desarrolla una peculiar iconografía que se despliega en stickers de gran formato. Es uno de los históricos del stencil -junto al artista Santiago Velazco y los PDC viene trabajando en calle desde el año 2002- pero también lo utiliza en ámbitos que exceden lo urbano, como la ilustración y la publicidad. Entre sus obras más llamativas destaca un “stencil de sangre” que regaló a su madre, realizado mediante la fusión de la técnica de placa con la del tatuaje.
www.brusterspecial.com
DELAVIRGEN
Las cruces católicas y otros iconos religiosos se multiplican en los dibujos, stickers y estampados de Popi, quien alterna firmas como Sr. Estampador y Delavirgen para sus trabajos callejeros y artísticos. Trabaja una serie de personajes pesadillescos, que tienen su punto de partida en el comic y en la reinterpretación de figuras religiosas. Otro de sus caminos de expresión es el rock, como integrante del poderoso power trío Santa Cruz.
FRAN
Ilustrador y diseñador gráfico, Francisco Cunha encuentra en el trabajo callejero con marcadores, pintadas y stickers una posibilidad para desarrollar una singular y fuerte personalidad artística. Se mueve en solitario, pero desde el año 2007 participa en murales colectivos integrado al trabajo de otros artistas como María Calvario, Sr Estampador y Alfalfa, entre otros.
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CREW DEL SUR
El Parque Rodó es centro de reunión de este colectivo de jóvenes influidos por la cultura del hiphop, el graffiti, el skate y el basquet. Empezaron a pintar paredes en 2007 con tags y una serie de murales en los que siguieron el camino del grupo Kncr. Rápidamente han encontrado una identidad propia, fuertemente figurativa. Se especializan en muros tapiados y sus lugares de acción son callejones y muros de Palermo, Sur y Ciudad Vieja.
LALIN
Siluetas de niñas dibujadas con marcadores sobre vidrios, paradas de ómnibus y kioscos son la especialidad de Lalin, quien también diversifica su iconografía a través de stickers de pequeño formato. Una de las artistas más activas en el espacio público de Montevideo en los años 2008 y 2009, sobre todo en la zona sur y este de la ciudad. “Todos los personajes que hago, sean nenas o nenes, tienen una cuota de autoretrato y reflejan mis sentimientos”, dice la joven artista callejera. “No hay un mensaje profundo detrás más que expresarme y compartir mi mundo. A veces estoy contenta, a veces estoy enojada, a veces me quiero morir y otras quiero matar”.
NIÑO DE FUEGO Y NUBECITA
Un fugaz antecedente del trabajo de Lalin fue la aparición de dos personajes dibujados con marcador sobre vidrio hacia finales del año 2006. Niño de Fuego y Nubecita son uno de los pocos y raros ejemplos de relato gráfico callejero en Montevideo.
AGUSTÍN SABELLA
Artista integrante del Fac (Fundación de Arte Contemporáneo), es uno de los más experimentados stencileros uruguayos, tanto en su obra de taller –cuadros de pequeño formato, instalaciones de diversos materiales- como en sus esporádicos trabajos callejeros. Prefiere una iconografía decididamente pop e irónica, destacándose entre sus obras una placa en la figura de Tarzán es intervenida con el rostro del héroe nacional José Artigas.
OLD CITY STENCIL
Entre las diferentes firmas de stencileros que tomaron las paredes montevideanas entre los años 2004 y 2007 destacan artistas y colectivos como Sabelo, Stuecel, The Flashy y los ya destacados Stencileame. Enmarcado su trabajo en la Ciudad Vieja, el grupo Old City presentó varias y originales piezas en paredes de Peatonal Sarandí y en el callejón de Policia Vieja.
PONYS
Los primeros stickers de Big Lala tuvieron fuertes rivales en cuanto a cantidad e impacto en el espacio público. Uno de los personajes que estuvo presente en paredes y muros de Cordón –sobre todo la calle Guayabo-, Centro y Parque Rodó en los años 2006 y 2007 fueron unos enigmáticos ponys de distintos colores y tamaños, aunque generalmente en formato pequeño.
CHE GUEVARA
Confeccionada por el artista pop y músico Santiago Tavella, integrante del grupo de rock Cuarteto de Nos, la serie de los “Che” circuló en algunas exposiciones colectivas y colecciones, pero también se hizo presente en la calle en sus coloridas versiones Personal, Classic, Yankee, Gay, Usted y Nazi.
DIOS TE BENDIGA
La leyenda cuenta que un montevideano decidió agradecerle a Dios por haberle solucionado ciertos problemas personales. De manera imprevista este anónimo personaje se convirtió en el graffitero más original y prolífico de la ciudad. En apenas dos meses pintó la frase “Dios te bendiga” en centenares de columnas de las principales avenidas y calles, dejando un críptico mensaje de su acción en el cruce de 8 de Octubre y Bulevar Artigas.
4. Lugares _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _
LIVING
En la esquina de Juan Paullier y edil Hugo Pratto el pub Living es uno de los lugares preferidos de stencileros y graffiteros. Los responsables del local alientan periódicamente a rediseñar e intervenir la fachada a través de diseños en papel de gran tamaño. Entre los artistas que suelen actuar en la zona destacan The Flashy, Stencileame y varias bandas de rock que utilizan el stencil como publicidad.
CALLEJÓN PRATTO
Durante años, por lo menos desde el 2004, el callejón de Pratto es el centro de la movida del stencil en Montevideo. Ha pasado por diferentes épocas y distintos artistas han dejado su marca y estilos. Las últimas intervenciones de mayor impacto realizadas en el callejón fueron de Alfalfa y los hiphoperos de Crew del Sur.
MERCADO CENTRAL
En el muro que da a la calle Bartolomé Mitre, a pocos metros de la calle Reconquista, aparecen trabajos de varios artistas de la nueva generación de graffiteros. Entre ellos se encuentran trabajos de Fiolence, que destacan por sus fuertes coloridos y un tipo de figuración que se aleja de la cultura hiphop.
CALLE ANSINA
Uno de los muros de la ex calle Ansina fue elegido por el artista belga Obes y años más tarde tomado literalmente, a fines del año 2007, por ex integrantes de PDC como Calvario y Malacate, y otros artistas callejeros como Fran y Delavirgen. Cuando comenzaron los trabajos de construcción del paseo peatonal fueron borrados todas las piezas y murales.
ESTACION YATAY
En un país que no hay trenes no deberían existir graffitis. Pero las vías están, atravesando la zona oeste de la ciudad y los barrios Paso Molino, Sayago y Peñarol. Las grandes paredes de fábricas abandonadas y viejas estaciones como Yatay son el lugar indicado para los grandes murales de la crew Kncr, Obes y otros graffiteros.
FIRMAS EXTRANJERAS
La serie de muros de una extensa cuadra de más de 200 metros en la calle Uruguayana casi Bulevar Artigas es uno de los sitios elegidos, junto al parque Capurro, para que los graffiteros extranjeros de paso por Montevideo dejen estampada su firma. Otras paredes que cumplen esa función están en el barrio Sur, en las cercanías de la Rambla y la calle Carlos Gardel.
ARTE URBANO vs CUBO BLANCO
En diciembre de 2008 el arte urbano llegó a la sala del Centro de Exposiciones del MEC (Plataforma) en una exposición colectiva que contó con curadoría de las integrantes de Big Lala. Integrantes del grupo Kncr, del colectivo Mitá y Callepeguá, el stencilero Agustín Sabella, Golfo de Mar, E.S., Alfalfa, Camila Caballero y otros artistas callejeros uruguayos intervinieron el espacio de la sala oficial junto a las grafffiteras argentinas Analía Regue y Virginia Negri.